Danny Elfman - Hellboy II The Golden Army Soundtrack

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El compositor es fiel al espíritu de la primera entrega con una partitura grandilocuente, divertida y caótica. La música es sinfónica y coral, hay cierta extravagancia en la instrumentación (muy percusiva) y se dota al conjunto de un tono paródicamente apocalíptico, con intenso ritmo, humor y colorido.

Marco Beltrami - Hellboy Soundtrack

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Cd 1
Cd 2


Supongo que a nadie se le ha pasado por alto que dos de las mejores partituras de Beltrami, Mimic (97) y Blade II (02) son películas de Del Toro, así que era obvio esperar una buena banda sonora en Hellboy, no sólo porque dirigía Del Toro, sino por que pintaba como la película ideal para que Beltrami mostrara todas sus cartas.Ya en el primer tema se intuye la identidad del compositor; el tema sonando de fondo, arrastrado por un viento grave; las cuerdas subiendo poco a poco de intensidad. De hecho el propio tema de Hellboy en sí ya suena a Beltrami. En el segundo corte aparece (casi de refilón) uno de los mejores temas que ha compuesto en toda su carrera; se trata del tema "heroico" de Hellboy, aunque aquí aparece un poco disimulado. Lo peor, tal vez, sea que este tema en el disco no queda más que perfilado, y sólo vuelve a aparecer (esta vez de forma más contundente) en el track "Stand by your man". Habrá que esperar a la edición completa (o pasarse por la web del compositor) por que ahí sí suena este tema tal y como debe sonar, con toda su fuerza y su orquestación épica. Es fácil intuir que en este corte alguien encontrará el bebé Hellboy y será ese tema el que nos hace ver que, en realidad, ese pequeño demonio hará cosas muy grandes (y muy buenas) cuando crezca, no solo porque sea bonito, sino por que suenan coros femeninos y sería bastante extraño que eso fuera algo eminentemente malo.Luego hace aparición el tema principal, un tema gamberro (no tanto como el de Blade II) con gran carga épica y que presentan al personaje. Un bajo, un sintetizador y, finalmente, toda la orquesta, hacen aparecer un tema corto, pero preciso, que describe el personaje protagonista de forma casi perfecta.En el siguiente corte aparece una de las "excentricidades" (bueno, la única) de la banda sonora: el theremin. Es de suponer que la utilización del theremin para interpretar una pequeña variación del tema principal corresponde a aquello que todo héroe necesita. Los malos: cuerdas que divagan por el fondo, coros que insinúan un mal latente. Respecto al tema de amor, es un tema muy bonito con cuerdas inspiradas y tímida flauta, todo muy dramático y bello. Pero en una película de super-héroe tenía que haber acción, y aquí hay acción: Beltrami se mueve entre Joyride (01) y Mimic (97). De la primera coge la utilización de los graves y el frenesí de los violines para describir una aparente persecución; de la segunda coge la estructura y la instrumentación.Otro de los temas básicos de la banda sonora es el que describe la relación entre el protagonista y su padre adoptivo, una preciosa melodía que comienza tímidamente y termina en apoteósico final. A partir de aquí, una vez sentadas las bases (tema del bueno, tema del malo, tema de amor, tema de acción) y la ambientación (los instrumentos a utilizar), Beltrami se dedica a pasearse de un lado a otro según la película lo requiere. En el conjunto del disco hay todo un repaso a su obra previa, en una partitura cohesionada, que mantiene una ambientación y una forma; y además ofrece grandes momentos de todo tipo. Y todo ello lo consigue utilizando todo lo que ha ido aprendiendo durante los años, cogiendo lo mejor de algunos de sus trabajos para acabar componiendo una de las mejores bandas sonoras "de super-héroes" que hemos oído en mucho tiempo.

Harry Gregson Williams - X-Men Origins - Wolverine Soundtrack

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Mucho menos sofisticada que algunas de sus predecesoras (especialmente X-Men de Kamen y X-Men 3: The Last Stand de Powell), y desde luego mucho más aparatosa, el compositor despliega una amplia gama de trucos y efectos con vocación impresionista, grandilocuente y de sentido enormemente épico, pero acaba resultando, por todos sus excesos, en una partitura saturante.Se aplica bien el sentido apocalíptico del conjunto, y el tono vibrante y moderno en su sinfonismo también queda bien resuelto. No así la parte romántica, ciertamente débil, insignificante y tan poco interesante como el conjunto de esta convencional partitura de acción.

John Powell - X-Men III The Last Stand Soundtrack

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Banda sonora que supone un decisivo e importante paso adelante con respecto a las dos entregas anteriores, especialmente en lo que se refiere a estructura temaria, muy sólida. Se destaca un tema principal enérgico y heróico y una sucesión de temas sinfónicos de poderosa fuerza. Se compensa, en parte, por otros momentos más intimistas, delicados, en un juego entre acción/emoción que da al conjunto un empaque del que adolecían los filmes previos.

"Impresionante trabajo de John Powell cuya unica desventaja es que en determinados momentos es demasiado excesiva en sus propositos .Aunque eso no deja de significar que sea un trabajo rico,brillante,dinamico...se nota que Powell va creciendo en cada obra y en X-Men 3 lo consigue de forma absoluta ( aunque he de confesar que prefiero la musica de Ottman para la segunda entrega,que supo perfectamente adecuar como nadie el universo de los X-men ).A destacar un tema impresionante y que desde ya esta entre el mejor tema del compositor: "Phoenix Rises" ( esos coros transladando el tema de Logan y Jean acongoja como pocos consiguen ).Powell ya se puede quedar de lo mas liberado,por que ya ha alcanzado un puesto muy alto de compositores a fecha de hoy"

John Ottman - X-Men II Sundtrack

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Partitura en la que se aprovecha lo aplicado por Michael Kamen en el anterior film, con el desarrollo de algunos de los postulados empleados que dan mayor solidez y coherencia, además de seguir incidiendo en los aspectos enfáticos. Se aplica una melodía principal poderosa, mayor variedad temática y coros masculinos que refuerzan lo enigmático.

Michael K-men - X-Men Soundtrack

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Aunque no paren de darse mamporros durante todo el metraje, la película trata realmente sobre la diferencia y la incomprensión. Por ello, un acompañamiento heroico hubiera sido totalmente inadecuado. Kamen, en un gesto de honradez artística que le honra, elige un estilo de música gris, acorde con el espíritu del filme, que le impide lucirse con temas pegadizos. Con todo, hay grandes hallazgos sonoros, como los susurros del sintetizador imitando voces, que sugieren la existencia del poder mental de los personajes,o los efectos con las cuerdas que representan al personaje de Mística. Y un excelente tema romántico, el de Logan y Rogue.
Kamen se aleja de los estereotipos impuestos para superhéroes, cuajando una partitura hasta cierto punto atonal y ausente de melodías muy reconocibles, en busca de mostrar musicalmente lo extraño y peculiar de este grupo de justicieros.Partitura incomprendida que sigue a pies juntillas la decisión del director de no hacer una película de héroes al uso.

Inuyasha - Best Of Inuyasha Soundtrack

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Inuyasha Movie - Jidai wo Koeru Omoi Soundtrack

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Basado de los primeros treinta y seis volúmenes del manga, la adaptación al anime de InuYasha fue producida por Sunrise y dirigido por Masashi Ikeda (episodios uno al cuarenta y cuatro) y Yasunao Aoki (episodios cuarenta y cinco al ciento sesenta y siete.) El anime fue emitido originalmente en Yomiuri TV y Nippon TV desde el 16 de octubre de 2000 hasta el 13 de septiembre de 2004, con una totalidad de ciento sesenta y siete episodios. Además, se crearon 2 OVAs y 4 películas basadas en la serie, con tramas completamente distintas que se realiza en la línea temporal en la que se desarrolla la serie original.
En Estados Unidos, la serie fue emitida por Cartoon Network a través del bloque Adult Swim desde el 31 de agosto de 2002 hasta el 27 de octubre de 2006. En Hispanoamérica, la serie junto con el antiguo bloque Toonami hizo su debut en Cartoon Network el 2 de diciembre de 2002. En España fue estrena en el canal Buzz el 15 de junio de 2004. Posteriormente, la serie han sido retransmitida en los canales Localia, K3, Cartoon Network, Canal Sur 2, AXN y actualmente en Animax.
En 2008 durante el evento It's a Rumik World, fue exhibida una ova llamada InuYasha: Kuroi Tessaiga, la cuál esta adaptada del manga, después de haber concluido el manga que se compilo en 56 volúmenes siendo publicados 558 episodios.
En el número 34 de la revista Shonen Sunday, se confirmó la continuación del anime bajo el nombre de InuYasha Kanketsu-hen (Episodios Finales), la cual se adaptara de los volúmenes 36 a 56 del manga. Cuenta con el mismo reparto de voces y Sunrise produce la animación de los episodios. El anime se estrenó el 3 de octubre de 2009 en la cadena Yomiuri TV.
La banda sonora del anime de InuYasha está compuesta de una serie de openings y endings que van apareciendo sucesivamente en los capítulos, así como de recopilaciones de los temas que sirven de fondo a la historia creados por Wada Kaoru.

Carter Burwell - Where The Wild Things Are Soundtrack

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Sobria partitura que se desarrolla en un tono íntimo y contenido, con breves momentos algo más animados. En su conjunto resulta una obra en exceso austera, sin nada singularmente destacable.

Karen O - Where the Wild Things Are Soundtrack

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Karen O y el compositor Carter Burwell, son los encargados de realizar la banda sonora de la esperadísima película de Spike Jonze: “Where the Wild things are”. Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeahs, exnovia de Spike y encargada de concebir, producir y conceptualizar la banda sonora que acompañará las aventuras de Max y las criaturas salvajes, acaba de sacar un disco con 11 temas que componen la banda sonora de la película. Pero Karen O no enfrentó este inmenso reto sola, los créditos del disco incluyen a sus 2 compañeros de banda, a miembros de Deerhunter, Liars, The Raconteurs, Queens Of The Stone Age y un coro de niños que son las verdaderas estrellas del soundtrack, aportando una inocencia e ímpetu que nos hace recordar la rebeldía infantil de Max, el protagonista de la historia. La música de Karen O and the kids inundaba de manera melódica y hermosa las imágenes mostradas, por lo que el soundtrack era una de las piezas más esperadas de la película. Karen O ha hecho su parte del trabajo, logrando un soundtrack que puede vivir por sí solo y sin depender de la película, evocando sensaciones que todos extrañamos y sólo podemos recordar con estímulos como éstos. Junto a Karen O, se encuentra el compositor ya habitual del director (Spike Jonze) Carter Burwell, quien también ha trabajado anteriormente con los hermanos Cohen.

The King of Fighters 99 Soundtrack

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The King Of Fighters '99 es el sexto videojuego de la saga The King of Fighters. Introduce nuevos elementos como el Striker Match y Counter Mode, e incrementa la cantidad de personajes por equipo de tres a cuatro. El juego es la primera parte de la trilogia de NESTS el que implica a una organización oculta que planea dominar el mundo, esta parte introduce el concepto de los clones de Kyo Kusanagi y K', que sería el personaje principal de la historia.

Pasaron dos años desde el último torneo King Of Fighters y nadie volvió a ver a Kyo Kusanagi ni a Iori Yagami desde que derrotaron a Orochi. Acerca de Chizuru Kagura, ella dejo el torneo porque ella creyó que su misión ya había terminado, y además, solo entró con el fin de encerrar a Orochi. Pero a todos los luchadores les envían nuevas invitaciones para unirse al próximo torneo, que regresa al modo de torneo secreto en lugar de un evento masivo, también se modifica la cantidad de participantes por equipo de tres a cuatro.
El incremento de participantes por equipo, así como elementos de la historia de los desaparecidos Kyo y Iori obligó el reordenamiento de varios de los equipos, siendo los más notables los del equipo de mujeres y el equipo de japonés. Con Kyo desaparecido, sus compañeros Shingo Yabuki y Benimaru Nikaido se juntaron con dos misteriosos luchadores, K' y Maxima y con Mai Shiranui finalmente aceptada en el equipo Fatal Fury después de seis torneos y Yuri Sakazaki trabajando con su hermano Ryo Sakazaki en el equipo Art of Fighting, King se vio forzada a armar un nuevo equipo femenino, reintroduciendo a Kasumi Todoh (de Art Of Fighting 3) quien fue vista por ultima vez en King of Fighters '96 y presentando a Li Xiangfei (de Real Bout Fatal Fury 2) en el torneo de King Of Fighters.
El torneo tenía otras sorpresas en la aparición de dos personajes que combatirían solos, dos clones de Kyo Kusanagi. El equipo japonés (o Hero Team) llegó a la batalla final que, para su sorpresa, se realizaría en una alcantarilla. El túnel de la alcantarilla en realidad era un elevador que llevaba hacia un extraño cuarto subterráneo, mientras el equipo descendía, Heidern, líder de los Ikari Warrios descubre señales extrañas que vienen de todo el mundo, estas señales provienen de millones de clones de Kyo Kusanagi escondidos, Heidern traza el origen de las señales hasta el mismo lugar donde se encuentran ellos.
Son recibidos por Krizalid en una habitación oscura y comienza la batalla entre ellos. Krizalid es tirado al piso por Benimaru, en ese momento explica sus intenciones; el tomó a Kyo Kusanagi, inconsciente después de su batalla contra Orochi y usó su ADN para clonarlo, pero el Kyo real logró escapar. Krizalid patrocinó el torneo King Of Fighters para encontrar poderosos luchadores cuyos "datos de combate" pudieran ser incluidos en sus clones, para usarlos para derrocar a los gobiernos de todo el mundo, cosa que hizo mientras luchaba contra ellos, revelando también que K' es un clon. Mientras tanto, Heidern ordena a sus soldados que detengan la invasión de clones de Kyo.
La batalla entre Krizalid y el equipo va mal, Shingo y Benimaru son dejados inconscientes y K' y Maxima usan lo último de sus fuerzas en un inútil ataque final que parece derrotar a Krizalid. Todo parece perdido y Krizalid se prepara para matar a los cuatro, pero son salvados por el regreso del verdadero Kyo Kusanagi quien derrota a Krizalid. Todos son cegados por una luz brillante y una voz imponente reta a Krizalid por su falla y tira una roca sobre él, atrapándolo o posiblemente matándolo, la voz dice ser del cuartel NESTS y luego la base subterránea empieza a derrumbarse, K' intenta luchar contra Kyo pero es detenido cuando el equipo es separado de Kyo por una puerta de acero y tienen que escapar. Mientras la base continua derrumbándose Kyo siente la presencia de su antiguo rival Iori Yagami y los dos empiezan a luchar mientras todo se derrumba a su alrededor.

Andrew Lloyd Webber - The Phantom of the Opera Soundtrack

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La inevitable comparación entre la versión teatral y esta nueva entrega cinematográfica -en lo que concierne a la misma música y las mismas canciones- perjudica a esta última. Efectivamente, las canciones y la música son las mismas (salvo unos nuevos temas), pero las voces cambian, y sustancialmente a peor. Ninguna tiene la fuerza o el ímpetu de los intérpretes teatrales y tampoco son singularmente relevantes, ni tan solo excluyendo el maravilloso precedente.

John Corigliano - The Red Violin - Soundtrack

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Partitura de amplia variedad temática y dramática, que sigue musicalmente los cambios históricos y también geográficos del violín protagonista del filme, adecuando la música en función del lugar donde transcurre la acción. La música viaja con el violín y, a pesar de las transformaciones que provoca el que esté en Viena, Oxford, China o Montréal (con los consiguientes cambios de estilo: barroco, clasicismo, romanticismo...), la esencia sigue siendo la misma.La música tiene un protagonismo absoluto en el filme, no sólo por la importancia del violín en el argumento, sino porque marca los estados anímicos y dramáticos de aquellos que lo tocan. El compositor da vida propia al instrumento, escribiendo un tema que hace las veces de referencia directa, como si el violín hablase a los personajes. Con este recurso, el instrumento cobra vida plena, ya que ese tema evoluciona en función de las diversas situaciones.La multitud de registros y estilos que se emplean en la partitura obligó al compositor a escribir mucha y muy variada música, incluso antes del rodaje, ya que parte de ella es interpretada ante las cámaras. Además, el compositor exigió elaborar una pieza de concierto, creada a partir del material compuesto para la película, cuyo título es “The Red Violin, Chaconne for Violín and Orquesta”, y que se ha estrenado en salas de concierto de todo el mundo. El concertista que ha grabado la parte solista en la banda sonora es el prestigioso violinista Joshua Bell.


V.A. - Sin City Soundtrack

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Banda sonora coescrita por el propio Robert Rodriguez y por Graeme Revell, que busca en su diversidad estilística una impresión de caos y desorden, logrado sin embargo de modo muy coherente, especialmente gracias a la solvencia de un tema principal (de Rodriguez) que vertebra el resto de la banda sonora. Se aplica jazz, música electrónica, temas de acción y dramáticos.

Jon Brion - Punch & Drunk Love Soundtrack

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Cuando el éxito de Magnolia todavía estaba reciente, Paul Thomas Anderson sorprendió a propios y extraños anunciando que su próxima película iba a ser una comedia ligera de no más de hora y media protagonizada por Adam Sandler y Emily Watson. Esa afirmación, que parece estar hecha a cachondeo (echando un vistazo a la carrera anterior de Anderson), se transformó en realidad con Punch Drunk Love, una historia que rompe totalmente con la épica narrativa a la que PTA nos tenía acostumbrados y que sirvió (además de para hacerle merecedor del premio a la mejor dirección en Cannes 2002) para dar a conocer al mundo una faceta actoral de Adam Sandler digerible. Para el famoso cómico estadounidense, Punch Drunk Love ha sido como El Show de Truman fue en su dia para Jim Carrey.
Inspirada en un personaje real que descubrió cómo transformar en lucrativa una promoción de cupones para acumular millas para viajeros frecuentes, la película cuenta la historia de Barry Eagan, un hombre de negocios con un trastorno mental que le hace cambiar a una conducta agresiva con facilidad, cuya vida se ve alterada por la llegada de una mujer, un harmonio (instrumento musical que encuentra en la calle) y una desafortunada llamada a un teléfono erótico que provocará que se vea perseguido por unos delincuentes que le reclaman dinero.

La música viene a cargo del gran Jon Brion, uno de los pocos genios del pop que quedan en el panorama actual. Brion demostró en Magnolia que no se amilanaba ante la idea de crear todo un score imponente con una orquesta enorme, pese a no haber trabajado nunca con orquestas (la ayuda de Thomas Pasatieri en ese punto fue indispensable). Sin embargo en Punch Drunk Love (donde Pasatieri aparece acreditado como "Music Consultant") la orquesta ve reducido su protagonismo, al igual que el conjunto de la música. La utilización es mucho más discreta que en Magnolia, pese a que sigue teniendo una importancia notable.
Podemos dividir la música en dos bloques. Por un lado tenemos una masa que representa las escenas frenéticas, donde a menudo se pone de manifiesto la locura del protagonista. Esa música nerviosa está construida a base de percusión e instrumentos extraños, como un piano preparado (que consiste en alterar el sonido de las teclas por medio de colocar objetos sobre las cuerdas -por ejemplo tornillos-). El mejor ejemplo lo encontramos en la escena donde todos los personajes coinciden en el almacén de Barry (el tema "Hands and Feet") donde el frenesí se desata con continuas llamadas de teléfono y distintos personajes entrando y saliendo. Ese tema fue compuesto por Brion antes de rodar la escena, y el director lo reprodujo en el set para que los actores tomaran nota de la sensación que quería transmitir el momento. Prueba superada. Una música experimental que no es especialmente disfrutable para escuchar sentado en el sillón de casa con el reproductor de CD, pero la comicidad y el ritmo de la escena se ven claramente beneficiados por el tono de la música. El sonido se ata a los personajes de una manera sorprendente, como el detalle de hacer redoblar un tambor de lata cada vez que la hermana de Barry camina hacia él con aspecto decidido.
El otro gran bloque es el romántico. El hallazgo de un Harmonio abandonado en la calle parece ser una especie de punto de partida para el comienzo de la historia romántica.
El Harmonio es un instrumento parecido a un piano pero mucho más pequeño, con un mecanismo de fuelles que le hacen sonar de un modo similar a un acordeón. Cuando Barry lo coloca en su oficina y toca una melodía, lo que toca es la melodía "Punch Drunk", que es la melodía que Jon Brion utiliza para desarrollar el tema de amor (a su vez tema principal de la película). Al final del film, el personaje de Barry vuelve a tocar el instrumento acoplándose a la perfección al score que suena de fondo. Una melodía elegante y romántica que bien podría pertenecer a un musical de la época dorada de Hollywood (no en vano se rumoreó en un principio que Punch Drunk Love iba a ser un musical, lo que no hubiera sido del todo fallido). Esta melodía se desarrolla un momento en la primera transición "de colorines" al principio de la película, pero no comienza a tomar una forma más definida hasta que se nos presenta como tema de amor por primera vez (corte "Le Petit Chateau", cuando los protagonistas salen de cenar en el restaurante). La música es lírica y en cierto modo cursi y exagerada (a propósito).
Existe una anécdota al respecto. Cuando estaban grabando la música de la escena donde se besan, PTA le pedía a Jon Brion que la música sonara más alta, lírica y emocionada, y Brion se echaba a reir advirtiendo que iba a sonar ridículo, cursi y desproporcionado, a lo que PTA asentía y comentaba que era esa su intención.
Y así es la parte romántica de Punch Drunk Love. Una música que no hubiera desentonado en una comedia de la edad de oro de Hollywood, una dulce melodía muy retentiva y orquestada de un modo luminoso y lujurioso que se hace agradable incluso fuera del contexto del film. Si alguien está pensando en comprar el disco sin haber visto la película, seguro que las partes orquestales no le van a decepcionar, aunque quizá necesite verla para apreciar en su totalidad el resto de música más "experimental".
Quiero comentar dos cosas antes de finalizar. La primera es que el tema principal que Harry Nilsson compuso para el "Popeye" de Robert Altman es aquí reutilizado como un tema de amor secundario. La canción cantada por Shelley Duvall "He Needs Me" (voz interior del personaje de Lena?) narra su encuentro en Hawaii y se adapta tan bien a la historia que parece estar expresamente escrita para esta película. El tema se ve versionado de manera instrumental por nuestro compositor para los créditos finales y algún pequeño inserto en la escena de Hawaii, bajo el nombre "He Really Needs Me".
Luego: hay en el disco una canción de Jon Brion cantada por él mismo llamada "Here we go". Brion demuestra que todavía queda gente en este mundo que componga canciones estupendas de una forma genuina, sentados al piano. La sorpresa viene cuando esa canción no aparece por ningún lado en el film. Se ha elucubrado mucho al respecto y la verdad es que fijandose en la letra y pensando en la película, casi parece lógico que la canción estuviera planeada para sonar en los créditos finales. Nadie sabe por qué no ha sido así y algunos fans acérrimos rumorean que PTA y Brion dejaron la canción fuera de mutuo acuerdo porque se temían que si la película era un éxito de taquilla, Brion y su canción iban a entrar de cabeza en el star-system de la música, y el tranquilo y acogedor ambiente de sus noches en el Club Largo se iba a acabar para verse sustituido por giras intercontinentales, videos en la MTV y autógrafos firmados en la piel.
Cierto que esa excusa parece inventada sobre la marcha y ciertamente cogida por los pelos, pero da igual. El caso es que Jon Brion demuestra con su score que ya está más que asentado en el star system particular de los oyentes con cabeza y buen gusto. Y su canción le da sopas con honda a las de la mayoría de gente que está en el "otro" star system, así que os voy a pedir un favor: primero de todo haceros con el DVD de esta genial locura de PTA, y cuando hayais reido y disfrutado con la historia, meted el disco de Jon Brion en vuestro reproductor. Os garantizo que no va a salir de ahí en una buena temporada. Lo Mejor: Que Brion crea temas y canciones memorables sin despeinarse, y que con la reciente "Eternal Sunshine of the spotless mind" y la futura "I Heart Huckabee", parece que comienza a prodigarse mucho más en el cine.
Lo Peor: No se me ocurre nada.
El momento: "Blossoms and Blood" (cuando la orquesta sube tan cursi).
Rubén Sánchez

Karera Musication - Koroshiya Ichi 1 (Ichi The Killer) Soundtrack

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Al igual que la película el disco calca la extravagancia de la cinta con temas instrumentales muy bizarros.
Los encargados en hacer el soundtrack de la ya de por sí excelente Ichi The Killer son ni nada más que los Boredoms, solo que acá se llaman Karera Musication.
Cuenta la leyenda que para el score de la película, el único que no participó en este trabajo es el vocalista/tornamesista/genio salvaje o whatever Yamatsuka Eye, dejando a Yoshimi, Seiichi Yamamoto (quién a parte producjo esto), Hila y ATR hicieran lo suyo en onda casi instrumental. Al final, obtenemos algo muy Boredoms post-1998, menos esquizofrénico y absurdo, y más percusivo, total y atmosférico; aunque el score termina siendo algo corto, la música logra darnos su cometido, siendo formado por piezas que musicalizan escenas así como cosas que puedes poner de fondo y poder escuchar más a detalle si le trepas un poco el volúmen.Algo raro de esto es que, en los créditos al final de la película, cuando mencionan a Karera Musication, mencionan a Eye como uno de los integrantes de la banda, pero en todos las demás evidencias muestran que Yamantaka no participó. Como mucho de los Boredoms, esto queda en misterio.
Reseña extraida de: http://oscilador.blogspot.com/2009/11/album-rareza-bajar-karera-musication.html

V.A. - Lost in Translation Soundtrack

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Este Soundtrack Contiene una colección de canciones que se mueven entre el post-rock (Death in Vegas, The Jesus & Mary Chain), el shoegaze (Kevin Shields y My Bloody Valentine), la electrónica más ambiental (Sebastian Tellier, Squarepusher, Air), con una pequeña concesión a JPop (はっぴいえんど, aka Happy End) y otra a la electrónica más bailable (Phoenix, el grupo del padre de su hija).En resumen, un genial trabajo de Brian Reitzell y Kevin Shields que captura perfectamente el ambiente de una de mis películas favoritas que además consigue encajar la selección musical con las composiciones originales para la película.Se agradece la curiosidad de que incluya la versión de More than this (de Roxy Music) cantada por Bill Murray, una canción que resume los sentimientos y la relación de Charlotte y Bob...

V.A. - In The Mood for Love Soundtrack

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La Música corre alrededor de todo el mapa, desde Nat King Cole hasta una selección de hits chinos. Wai trata de combinar la ecléctica naturaleza del lugar que habitan sus personajes. El tema que marca el Leitmotiv, se repite constantemente, para demostrar la redundancia y la melancolía en la existencia de los personajes. La música engancha las necesidades del film y no las resalta.

Joseph Lo Duca - Evil Dead Soundtrack

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Sam Raimi, con tan poco presupuesto como puede tener un mero estudiante universitario de inglés, dispuesto a demostrar su interés por el cine, y a remodelarlo de arriba a abajo, pensó en una historia no demasiado original, donde un grupo de excursionistas se aventuraban a las interioridades de un bosque americano, con no demasiadas buenas vibraciones (algo parecido a Psicosis, pero con un desarrollo totalmente diferente). Allí se encontrarían una cabañita, desde luego no la de Pin y Pon, donde un columpio exterior les daba los buenos días de forma un tanto alucinógena. Lo que pasaría después pertenece a la leyenda del género de terror, una película hecha con cuatro duros, durante más de cuatro años (por problemas presupuestarios), por la que más de medio mundo no pudo conciliar el sueño, y que tuvo un comienzo realmente duro para su distribución. Nadie quiso comprar la película para distribuirla, pero un día, en esos certámenes de cine de terror tan abundantes por la geografía terrestre, la película se presentó con la ovación unánime del publico, pero sin tener un distribuidor en toda regla. Qué bueno que el señor Stephen King estaba por allí, y se quedó tan sumamente petrificado por lo visto que quiso conocer de inmediato al director. Raimi le comentó que no podían distribuir la película porque nadie se ofrecía para ello. Y hablando de ofrecimientos King se mostró interesado en darle una frase suya al joven director para promocionar esa magnífica obra de locos. Una vez con la frase en el póster, Raimi consiguió la distribución tantas veces buscada (lo que hace una mera frase según de la boca de la que surja...), y triunfó allí donde pisó, convirtiendo su película en una obra de culto nada más exhibida. La continuación a la historia la dejamos para la critica de Evil Dead 2.
Así Raimi encontró a LoDuca, que posteriormente trabajaría con él en la trilogía y en otros proyectos (pero ya no en relación director/compositor, más que casi lo consigan en Spiderman, en contra de la opinión de los productores) mantienen una relación de complicidad claramente visible en todo lo que hacen, algo que se echa en falta en determinadas relaciones creativas.
Evil Dead comienza con un tema a piano, "Introduction", para nada romántico. Es la utilización de un instrumento tan bello para desencadenar cierto desasosiego algo que impera durante toda la partitura, salvo por una excepción, el segundo tema "Eyes Games/Charm", que es cuando nuestro protagonista Ash le regala a su novia el colgante que posteriormente traerá cola. Aunque es el tema más romántico, es cierto que cierto malestar se puede llegar a palpar, muestra inequívoca de lo que nos depara el malvado Sam Raimi.
Y bueno, con "Bridge Out", el tercer tema, ya empezamos a pasarlo un poquito mal. Todo a base de piano, y alguna nota sacada de un violín atormentado. Por primera vez encontramos el uso del sintetizador, algo que nos extrañaba no oír con anterioridad, dado el bajo presupuesto de la cinta, y sobre todo por pertenecer la cinta a la década de los ochenta.
"Rape of the Vines" es la parte de la película más recordada por todos, supongo que por esa naturaleza morbosa y maliciosa del ser humano. Aquí se produce una violación de uno de los personajes a manos del... ¡¡Bosque¡¡ LoDuca economiza sonidos y sólo describe tan desagradable situación con el sonido de cuerdas buscando esa tonalidad extremadamente aguda que tan bien queda en las pelis de terror. A partir de aquí, los sonidos de sintetizador toman las riendas como es el caso de "Ascent/Inflection", que realmente saca de quicio, fusionándose con los momentos más decididamente desquiciantes, conseguidos por las cuerdas, que parecen estar poseídas por un músico con el Mal de Parkinson. Ya en el tema 7, "Skin", aparece un tema de terror decididamente perturbador y con una estructura definida (alejado de la atonía de las cuerdas de temas anteriores).
Y bueno, a partir de aquí, el señor Raimi dejó que la película rodara por una cuesta encrespada, hacia abajo y sin frenos. Así que a partir de aquí participamos de una locura de la que es partícipe Ash.
Así aparece de nuevo el tema de amor en "Love Never Dies", pero con una clara distinción del tema segundo del compacto. El sintetizador es un claro protagonista, y el lado romántico se vuelve desesperanzador y atormentado, para dar paso a una atmósfera enrarecida. Es la decisión de Ash de decapitar o no a su novia (qué extraño amor, la verdad).
Un tema que me pone de los nervios es "Dawn of the Evil Dead", con una mezcolanza de sonidos que realmente pone los pelos de punta. Aquí aparece parte de percusión, que no aparecía en temas anteriores, y está claro que vivimos un sueño totalmente loco, donde nos encontramos en el centro de la mente psicótica de LoDuca.
Luego nos encontramos un tema que hace referencia a una película muy famosa de un director de culto. No es otra que "Psicosis", y el tema es "Not The Shower Curtain". Aquí uno de los protagonistas mantiene nuestra atención y nuestra tensión, al buscar el ser maligno detrás de una cortina de ducha. LoDuca simplemente mantiene la tensión con una economía de sonidos, sin en ningún momento sorprendernos con una súbita subida de los mismos. El tema 15, "Get the Lantern/ Book of The Dead", simplemente es uno de los más importantes momentos de la película, tanto a nivel de dirección, como argumentalmente, ya que Ash encuentra el Libro de los muertos. A nivel musical LoDuca no ejerce demasiado protagonismo, situándose de nuevo por debajo de las imágenes con un uso reiterativo de las cuerdas.
En Dawn/ Incantation, LoDuca crea un tema alejado del conjunto, muy tranquilo en un primer momento, con cierto aire de esperanza, para romperlo de forma abrupta en su ultima parte, por medio de un sintetizador cuanto menos desagradable.
Finalmente el CD termina con The Cabin/Wounded Melody, con el uso protagonista del piano en un primer momento, y claramente de las cuerdas posteriormente, en esa característica atonía que impera los momentos más terroríficos.
En definitiva, el trabajo de LoDuca para la primera parte de Evil Dead, es sumamente semejante al resultado de las imágenes, un viaje por la locura más insana, por esa soledad terrorífica ante seres que no podemos describir, y sencillamente un viaje musical por un universo desgarrador del que Raimi se erige como Rey de los locos. LoDuca crea una de las partituras más desgarradoramente insanas de cuantas he oído para el cine.
Lo Mejor: Lo mal que lo pasas escuchando la partitura, con momentos realmente de ponerte los pelos de punta.
Lo Peor: La falta de medios para llevarla acabo, aunque tal vez eso juegue también a su favor.
El Momento: Introduction.
DDBSpawn

V.A - Closer - Soundtrack

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01. The Blower's Daughter
02. Samba Da Bencao
03. Soave sia il vento
04. Bella vita militar!
05. How Soon Is Now?
06. Tanto Tempo
07. Cold Water
08. Dark Escape
09. Smack My Bitch Up
10. Eccovi il medico, signore belle!
11. Dammi un bacio, o mio tesoro
12. World Outside
13. Mais Feliz
14. La Cenerentola (Overture)
15. The Blower's Daughter (Acoustic)

Masamichi Amano - Battle Royale Soundtrack

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El compositor encargado de poner música a este percal es Masamichi Amano (que también pondría música a la secuela en el 2003), entre cuyos trabajos destaca su relación con la saga de anime Urotsukidoji. Debemos partir de que hasta la fecha tan sólo existen de esta banda sonora dos ediciones, una japonesa y otra francesa, aunque eso sí, tan sólo varía entre las mismas las portadas, pues el contenido parece ser el mismo. Pero aparte de la música original creada por Amano, destaca, tanto en la película como en la banda sonora el uso de ciertas piezas de música clásica. Así, tal y como podéis comprobar en el tracklist, tenemos en el disco pequeños fragmentos de piezas de compositores clásicos tan conocidos como Verdi, Strauss, Schubert y Bach. En la película se usa esta música principalmente en las escenas en las que Kitano (el personaje de Kitano en la película se apellida Kitano... una curiosa autoparodia) anuncia por megafonía para toda la isla los alumnos que van muriendo. Sin duda el hecho de usar estas bellas piezas de música clásica junto al momento en que los jóvenes protagonistas reciben la terrible noticia del fallecimiento de algunos de sus compañeros genera un curioso contraste entre belleza y brutalidad, entre regalo y castigo. Es sin duda una de las genialidades de la película.
Pero no todas las piezas de música clásica se usan en este sentido. Así, la película, arranca ya desde el logo de la distribuidora con un arrebatador tema coral del Réquiem de Giuseppe Verdi, para que desde el inicio capte el espectador la magnitud (quizás exageradamente) de la historia. Además en este caso se conecta directamente con el score de Amano, tal y como podemos escuchar en el primer corte del disco, "Réquiem - Prologue". Destaca de este primer corte que funciona casi a modo de suite, pues pese a no recoger todos los temas de la banda sonora sí muestra los distintos estilos que se contienen en la misma.
Es digna de mención la variedad contenida en este trabajo, pues nos ofrece estupendos temas de acción, aderezados con algunos coros, junto a otros temas más dramáticos e incluso algunos que tienden más al terror. Entre los temas de acción podemos destacar el contenido en el corte "Commencement du Jeu", con un estilo y un ritmo más que parecido al que podemos disfrutar en el tema "Vampire Hunters" de Drácula (Wojciech Kilar, 1992). Este tema acompaña al momento en que los distintos alumnos van siendo nombrados por Kitano para recoger su "mochila de combate" y entrar en el juego, de tal forma que los protagonistas van saliendo uno a uno al ritmo amenazante de la música. Hay que destacar el magnífico uso que hace Masamichi Amano de la orquesta, ofreciéndonos algunos temas realmente frenéticos cuya misión es exagerar el dantesco espectáculo al que asistimos en pantalla.
Entre los momentos dramáticos destaca el bello tema de amor de la pareja protagonista, que podemos escuchar en varias ocasiones a lo largo de la partitura, destacando la hermosa versión que se contiene en el corte "Amère Victorie". También destaca en este aspecto el último de los temas, "Nouveau Départ en Voyage", con una música cargada de esperanza para cerrar la película a pesar de todo lo acontecido. Destaca en este último tema el uso de los coros, los cuales aparecen en momentos puntuales del score pero de manera tímida, dándonos la sensación de que es un recurso que el compositor podía haber explotado más.
Como algunas de las escenas de la película son algo macabras, Amano opta en algunos momentos por una música más cercana a una película de terror que de acción. Así, un ejemplo de esto lo podemos encontrar en cortes como "Ceux qui ont pris gout au Jeu et ceux qui ont abandonné", pasando la música además en ciertos momentos a adquirir un estilo más ambiental y funcional. En estos casos es cuando la banda sonora se resiente un poco en su escucha aislada. Otro tema que debemos destacar por contener una música desasogante y agobiante propia del género de terror es el arranque de "L'Attaque de Kiriyama".
En definitiva, un trabajo variado y complejo, que sabe acompañar más que correctamente a las imágenes, captando fielmente el estilo desenfadado, brutal y exagerado de la película. Quizás ciertas partes del score sean algo más irregulares, lo cual provoca que no sea un trabajo del todo redondo.
Lo mejor : lo bien que sabe captar Amano el espíritu de la película.
Lo peor : ciertas partes pueden hacerse pesadas en su escucha aislada.
Miguel del Chicca.

Jon Brion & V.A. - Eternal Sunshine Of The Spotless Mind - Soundtrack

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Partitura deliberadamente caótica en la que se aborda, en forma de breves temas, música romántica, experimental y también dramática, con las que el compositor expresa la confusión y el desorden mental de los protagonistas. A medida que van reconstruyendo su relación, la música también va tomando forma hasta llegar a un bello final.

Joe Hisaishi - Dolls Soundtrack (2002)

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Breve y sentida creación en la que el compositor aplica el sintetizador y lo combina con un delicado piano para hacer elocuente un sentimiento de nostalgia contenida, a partir de una melodía destacada que le sirve de eje central. Destaca particularmente su tema final, en el que las voces dan un tono hermoso.

V.A. - Jürgen Knieper - Wings Of Desire Soundtrack

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La banda sonora de la agradable película El cielo sobre Berlín, fué compuesta por el excepcional Jürgen Knieper, el cual estudió con el compositor Schwarz-Schilling a principios de los 60. Fué compositor a su vez de películas de Wenders como Lisbon Story, El Estado de las cosas, La Letra escarlata o The Wrong Move.
Este disco fué producido en 1987 por la casa Nonesuch, encargada de producir entre otros a Brad Mehldau, Ali Farka-Thouré o a Bill Frisell .
El disco muestra a un Knieper en forma, dando muestras de una versatilidad excepcional, en momentos fusión, otros jazz, otros clásica, otros vanguardia. Con el agregado de algunas canciones de Nick Cave y otras en un intento de canto en la voz de Bruno Ganz.
Un disco que no dejará indiferente a nadie, y una película que animará a mas de uno.