Tolkien Ensemble - At dawn in Rivendell

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Tolkien Ensemble es el nombre de un grupo de música danés fundado en 1995 y cuyos trabajos están basados en El Señor de los Anillos, la obra más famosa del escritor británico J.R.R. Tolkien. El grupo está formado por: Caspar Reiff, Peter Hall, Signe Asmussen, Öyvind Ougaard, Katja Nielsen y Ryelund Morten Sørensen.
El proyecto fue aprobado tanto por la familia Tolkien como por HarperCollins, la editorial de los libros de Tolkien. Los discos están ilustrados con los dibujos de la Reina Margarita II de Dinamarca.

At dawn in Rivendell fue lanzado en el 2002 y es un excelente disco para todos los amantes de la tierra media, ademas en este disco lee la obra de Tolkien Cristopher Lee.

Troika & David Arkenstone - Goddess

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Esta colaboración entre David Arkenstone (compositor de las ocho piezas del álbum) y el trío Troika (intérpretes de la música) ha dado como resultado una impresionante sinfonía de melodías misteriosas y atmósferas mágicas, donde se fusionan los elementos menos abstractos de la Música Cósmica y los rasgos más etéreos de la Nueva Música Instrumental. Como su título sugiere, está inspirado en las diosas de la mitología. Por ello, cada tema está dedicado a una de ellas. Así tenemos plasmadas en cuadros sónicos a Venus, Diana y otras de igual carisma. Los instrumentos con mayor protagonismo son los sintetizadores, seguidos del piano.

Jack Lancaster - Peter and the Wolf

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Realizado por el Sello RSO, la versión LANCASTER / LUMLEY de "Pedro y el Lobo" fue grabada en cinco idiomas diferentes y con narradores distintos, cada uno de renombre también, en sus respectivos países. Los narradores fueron Viv STANSHALL (inglés), Pierre CLEMENTI (francés), Wilken F. DINCKLAGE (alemán), Maurizio ARCIERI (italiano) y Luis Del OLMO (español).

De por sí que la versión original del Cuento (la que compuso Sergei PROKOFIEV) es por demás entretenida, escucharla en versión música rock es además memorable. Pero no estamos ante cualquier versión de música rock; estamos ante una versión que por sus características y músicos involucrados tanto en su transcripción de la obra original como en su ejecución, la acercan agradablemente al gusto predilecto por el rock progresivo, sin dejar por ello de adaptarse a un gusto general. Tampoco se trata de una idea novedosa. En 1972, por ejemplo, ELP rehizo "Cuadros en una Exhibición" de Modest MUSSORGSKY y en 1974, CANARIOS hizo lo propio con las "Cuatro Estaciones" de Antonio VIVALDI. "Pedro y el Lobo" es, ante todo y como los demás esfuerzos similares, una intención por acercar la cultura de la música formal hacia los gustos populares.

El tiempo total que dura el álbum pareciera poco para ir cediendo paso a cada uno de los músicos e intérpretes que desfilan en esta magnífica interpretación, por cada uno de los temas. La versión original de PROKOFIEV se transforma espectacularmente con una serie de músicos talentosos, de los cuales muchos ya son garantía de calidad por sí solos, siendo estos quienes hacen los roles protagónicos: Manfred MANN (Pedro), Gary BROOKER [PROCOL HARUM] (Pájaro), Chris SPEDDING [SHARKS] y Gary MOORE [THIN LIZZY, COLOSSEUM II] (Pato), Stéphane GRAPPELLI [CARAVAN] (Gato), Brian ENO (Lobo), Keith TIPPETT (Estanque), Jack LANCASTER (Abuelo), Jon HISEMAN [COLOSSEUM, GREENSLADE, TEMPEST], Bill BRUFORD [YES, KING CRIMSON], Cozy POWELL [RAINBOW, BLACK SABBATH, EMERSON LAKE AND POWELL] y Phil COLLINS [GENESIS, BRAND X] (cazadores). Hay más músicos (muchos más) de renombre, pero vamos a dejarlo aquí, como el botón que da la muestra de lo que tenemos enfrente.

"Peter and the Wolf" en su versión de LANCASTER, LUMLEY y compañía, es un álbum que aunque de tiempos cortos ofrece buena calidad sonora pero sobre todo, mucho entretenimiento musical. Uno puede sorprenderse de las interpretaciones individuales y de quienes de pronto tocan mano a mano (tal vez uno de los momentos más sorprendentes es cuando en 'Hunters' tocan los cuatro bateristas juntos), así como disfrutar de una buena producción y fabulosas representaciones. Un álbum que de verdad, si aún no lo conoces, vale mucho la pena hacerte de él.

Riley Lee - Buddha's Dream

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Riley Lee comenzó a tocar el shakuhachi (flauta de bambú) en Japón en 1971, estudiando con Chikuho Sakai hasta 1980, y ha sido un estudiante de Katsuya Yokoyama desde 1984. Le dieron el rango de Dai Shihan (gran maestro) en 1980. Riley nació en Plainview Texas, EE.UU. en 1951, y se trasladó a Oklahoma Shawnee EE.UU. en 1957, donde,a la edad de 13 años, se convirtió en el bajista del galardonado grupo de rock "La Workouts". Él y su familia se trasladó a Hawai en 1966. En 1970 fue por primera vez a Japón , y regresó en 1971, cuando comenzó sus estudios de shakuhachi.

Buddha's Dream (1984), de manera eficaz alienta a los Estados de la introspección y quietud que son un bálsamo para el cuerpo y el espíritu. Divide en segmentos más cortos que las prolongadas improvisaciones que se encuentran en joyas tales como santuario y Oriental Sunrise, Buddha's Dream, a veces implica más notas y, en ocasiones, transmite un fuerte toque de misterio.

Jean-Pierre Rampal, Lily Laskine, Sakura - Japanese Melodies for Flute and Harp

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Jean-Pierre Rampal (n. 7 de enero de 1922, Marsella - † 20 de mayo de 2000) fue un flautista francés y ha sido reconocido por devolver a la flauta su popularidad como instrumento clásico solista, popularidad que no tenía desde el siglo XVIII.
Biografía
Rampal nació en Marsella, donde su padre, Joseph Rampal, era primer flautista en la sinfónica y profesor en el conservatorio. Aunque no tenía la motivación para llegar a ser músico profesional, su padre le enseñó desde que el joven Jean-Pierre tenía 12 años. A los 16 obtuvo su primer premio como flautista, en el mismo año que dio su primer recital público.
No sería hasta mucho después que Rampal, una vez comenzados estudios de medicina, decidió seguir la carrera artística. En su tercer año en la escuela de medicina, las fuerzas de ocupación nazi le enviaron a realizar trabajos obligatorios a Alemania, pero en vez de reportarse al servicio, pasó a la clandestinidad y se dirigió a París. Allí decidió seguir cursos en el Conservatorio Nacional y cinco meses después se graduó con el primer lugar de la competición anual de flautistas, premio que Joseph, su padre, ya había ganado antes en 1919.
En 1945, Rampal fue invitado a tocar un concierto de flauta junto con la Ópera de París, de esta forma adquirió cierta fama y experiencia. Durante los diez años siguientes Rampal se dedicó a ser intérprete solista, y, con la guerra terminada, se decidió dar una serie de conciertos empezando en Francia pero después, en 1947 trasladándose a Suiza, Austria, Italia, España y los Países Bajos junto con su compañero pianista Robert Veyron-Lacroix a quien había conocido en 1946.
En 1955 se convierte en primer flautista de la Opéra de París y luego desarrolla sus actividades como solista o músico de cámara. Fundó el Conjunto Barroco de París y el Quinteto de Vientos Francés. A principios de los 60's Rampal era considerado el más virtuoso flautista internacional, pues trabajó con las mejores orquestas del mundo en ese tiempo, pero siguió reviviendo la música, sobre todo barroca, como había hecho desde 1945. Durante los 60's y hasta finales de los 80's tuvo mucha fama, sobre todo en América y Japón. Durante la década de los 60's fue inclusive cosiderado el príncipe de los flautistas
En 1969 fue nombrado profesor del Conservatorio de París y durante los veranos ofreció cursos en la Academia Internacional de Niza. Colaboró con otros artistas como Isaac Stern, Yehudi Menuhin y Mstislav Rostropóvich y dirigió algunas orquestas.
En 1978 gana el premio Sonning Award en Dinamarca. A partir de 1980 se abrió el Concurso de Flauta Jean-Pierre Rampal, que desde ese año se efectúa premiando a los mejores flautistas del mundo.
Rampal fue un promotor incansable del repertorio para flauta, sobre todo aquel del barroco y del clasicismo. Gracias a su labor, la flauta recupera un sitial en el circuito de conciertos al mismo nivel que el piano o el violín. Grabó prácticamente todas las obras importantes para el instrumento, llegando a sumar más de 50 discos. También abordó arreglos y transcripciones. Además incursionó en el jazz, el folclore, la música popular y la música oriental. Hubo varios compositores que le dedicaron partituras, entre otros Jolivet, Francaix, Martinon, Poulenc y Boulez, y a comienzos de los 90 estrenó el Concierto para flauta de Krzysztof Penderecki.
De esa manera en 1998 y 1999 dio sus últimos conciertos, un magno concierto en el llamado Teatro de los Campos Elíseos en París. Su última grabación en 1999 fue de tríos y cuartetos con el trío Pasquier y con el flautista Claudi Arimany.
En mayo de 2000, Jean-Pierre Rampal muere de un problema cardíaco a los 78 años.
En el 2005 fue creada la Asociación Jean-Pierre Rampal para continuar el estudio de la flauta solista y como apreciación a la contribución de Rampal a la interpretación de este instrumento.

Enya - Sumiregusa

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Single para comercial de Pioner Japón

Enya - Watermarks

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Enya, nacida el 17 de mayo de 1961, seudónimo de Eithne Patricia Ní Bhraonáínes es una cantante irlandesa de música New Age. El seudónimo Enya es una anglicización (adaptación a la fonética y la ortografía inglesa) del nombre femenino irlandés Eithne. En su última aparición en público se la presentó como Enya Brennan, (usando su apellido como sus hermanos sin el prefijo O' irlandés).

Enya nació en Gweedore, condado de Donegal, Irlanda, en el seno de una familia de músicos; era la sexta de nueve hermanos (Máire, Ciarán, Pól, Deirdre, Léon, Bartley, Olive y Bridin). Junto a sus hermanos Pól, Ciarán, su hermana Moya Brennan, y sus tíos gemelos Noel y Padraig Duggan formaron en 1968 la banda An Clann As Dobhar, la que se renombró Clannad en 1970. Nicky Ryan era su manager y productor. Él no se solía llevar bien con Ciarán, el hermano de Enya. En 1982, Ciarán hizo que Nicky abandonara el puesto de manager. Esto empeoró las relaciones de Ciarán con Moya y Pól, pero Enya se demostró más molesta, y abandonó la banda. Enya y Moya se apoyaron mutuamente al inicio de las carreras en solista de cada una. Primero le llegó el turno a Enya

Watermark (1988) Es el disco con el que se dio a conocer a escala mundial. Además del éxito comercial de su single "Orinoco Flow" es un trabajo que contiene canciones en latín como "Cursum perficio" o en gaélico como "Storms in Africa".

Cafe del mar - Mmorphosis1

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Parte 1

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Parte 2

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El Café del Mar es un bar de Ibiza, situado junto a la playa de San Antonio, famoso por la selección de música que reproduce al atardecer. La marca está registrada a nombre de Can Caguil S.L. Construido sobre una idea de Ramón G. Broto, Carlos Andrea y José Les y diseñado por el arquitecto catalán Lluis Güell, se inaguró el 20 de junio de 1980. El local explotó comercialmente una idea sencilla: disfrutar en silencio de los atardeceres de la bahía de Caló des Moro mientras se escucha buena música y se toma una copa. Desde 1994 el Café del Mar ha editado cada año álbumes chill out, lounge, ambient, chill house y balearic beats con su selección musical que refleja el ambiente ibicenco. Comenzaron bajo el sello inglés React Music y la distribución de Vital, pero en 1997 se pasaron al londinense Mercury Records. En 1999 registraron Café del Mar Music y partieron de ese sello las nuevas compilaciones Chill house con la distribución de New Records, quedando los volúmenes bajo Mercury Records y distribucion de New Records hasta el octavo volumen, estando, a partir del noveno y la compilación Dreams, bajo el sello Café del Mar Music que posteriormente tomaría la distribución de los recopilatorios y objetos de merchandising a través de Ibiza Music & Clothes

Aaron Zigman - Bridge to Terabithia Soundtrack

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Este soundtrack tiene tres elementos: Música orquestal, Canciones Pop, y canciones cantadas por niños en la escuela. Las canciones
cantadas por niños en la escuela no están incluidas en este cd.
Alison Kraus fue originalmente citada para crear el score de la película, pero tuvo que declinar el proyecto por problemas temporales.
Así se le asigno la creación del score a Aaron Zigman, y la música orquestal fue compuesta y dirigida por él.

"Seeing Terabithia"
"Into the Forest"
"The Battle"
"Jesse's Bridge"

Las canciones pop fueron interpretadas por una variedad de artistas:

"I Learned from You"
Interpretada por Miley Cyrus. Escrita por Matthew Gerrard and Steve Diamond.
La canción suena durante los títulos de crédito.

"Try" Interpretada por Hayden Panettiere. Escrita por Matthew Gerrard, Robbie Nevil y Mike Krompass

"Keep Your Mind Wide Open" interpretada por AnnaSophia Robb. escrita por Dave Bassett y Michelle Featherstone.
La canción suena en la radio al inicio del film, durante el cumpleaños de Jess.

"A Place for Us" interpretada por Leigh Nash y Tyler James. Escrita por Bryan Adams, Eliot Kennedy, y Aaron Zigman.

"Another Layer" interpretada por Jon McLaughlin. Escrita por McLaughlin y Jamie Houston.
Suena mientras Jess y la familia de Leslie's pintan la habitación.

"Shine" interpretada por The Skies of America. Escrita por Rob Bonfiglio.

"Look Through My Eyes" interpretada por Everlife.

Los niños en la escuela interpretan tres temas:

"Ooh, Child" de The Five Stairsteps
"Why Can't We Be Friends?" de War
"Someday" de Steve Earle

En el trailer cinematográfico, suena el tema, "The Poseidon" de Klaus Badelt. Este track pertenece al film homónimo de 2006.

Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra – Unza Unza Time

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La Banda De Los No Fumadores tiene sus orígenes hacia 1980. el grupo lo crea el "Dr. Nelle Karajilic" , y se presenta como un grupo "Punk" para oponerse crudamente al sistema. Aunque también incursionaron en el Rock. Después de: “Zenica Blues” (un tema referido a la localidad en donde había una cárcel tristemente célebre, que les ganó persecuciones y censura del régimen) crecieron en complejidad musical y se transformaron en la expresión más significativa del Nuevo Primitivismo. "Emir Kusturica" forma parte de la banda desde 1986, primero como bajista y después como guitarrista rítmico, su hijo “Stribor Kusturica” es el percusionista, Glava “The Head” Markovski toca bajo y balalaika. Her Dralle Draugentaller maneja los teclados, Zoki Miloshevic está a cargo del acordeón, Dejan Sparavalo del violín, Alexander “The Great” Balaban de la tuba, Nesho “Blackbird” Petrovic del saxo. Dr. Nelle de todas las voces, tiene su prehistoria, cuatro álbumes y un hito amplificado por sus legendarios shows en vivo. En su tratado “Unza Unza Music” el Dr. Nelle explica su origen: “La música unza unza es un producto sofisticado, resultado de pruebas de laboratorio para proteger la integridad y la supervivencia del pueblo de los "Balcanes" . Esa identidad que se logró a fuerza de coexistencia de influencias árabes, turcas, rusas, griegas, españolas, italianas e indios, dio como resultado una masa de sonidos, lenguas y tradiciones que hacen implosión en las comunidades gitanas de Serbia, Bosnia, Macedonia, Albania, Hungría y Rumania. A esta proliferación desbordante esparcida por la gitanos nomadas, se le agrega, durante el último tercio del siglo XX, el ritmo del rock. Muchos de los temas del disco tienen la referencia en canciones tradicionales que se suelen interpretar en bodas o fiestas.La mezcla explosiva entre la música gitana, el jazz, el rock y los ritmos asiáticos.

Datos extraidos de: http://www.pagina12.com.ar/

Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra – Oh Danube, Ma Danube

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Parte 1

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Parte 2
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La TNSO es una especie de compresor de la tradición regional, procesadora de la influencia que ejerció en Yugoslavia la música árabe, hindú, rusa, griega, italiana. Comandado por su cantante, el Dr. Nele, el grupo pasó por humo, surrealismo y sarcasmo todos esos sonidos, los reforzó con una armadura tecno rock y definió su esqueleto de criatura de los Balcanes de entreguerra: quilombera, gritona, inspirada. Al igual que los personajes filmográficos de su guitarrista, la TNSO no conoce el silencio, ni los términos medios. Ampulosa, pasional, siempre parece al borde de los precipicios musicales.
Emir Kusturica se unió al grupo por primera vez en 1986, como bajista, conociéndolos durante la filmación de su película "Recuerdas a Dolly Bell?". La banda grabaría cuatro discos antes de la separación: "Das ist Walter (este es Walter, tributo a la película "Valter Brani Sarajevo" de Hajrudin Krvavac), "Dok cekas sabah sa sejtanom" (esperando por el infierno con el diablo), "Pozdrav iz zemlje Safari" (Los mejores deseos de la tierra de los safaris) y "Male price o velikoj ljubavi" (Pequeña historia de un gran amor).Entretanto Kusta, como le dicen a Kusturica, se consagraría con "Tiempo de Gitanos" (1989), una historia de amor y (des)lealtades en torno de un clan de Zíngaros mafiosos que resume lo mejor de su estilo, poderosamente sensible y original.
Luego vendrían Sueño de Arizona, Underground (su toma de posición más explícita, y polémica por cierto, respecto de la tragedia yugoslava) donde el Dr. Nelle actúa como un gitano tocando acordeón sobre un tanque y Gato negro, Gato blanco, cuya banda sonora, realizada por primera vez por la TNSO, gana la Palma de Oro en Cannes por la mejor música, que venía de rearmarse en 1994 con la incorporación del batería Stribor Kusturica, hijo de Emir. Puede decirse que Gato negro, Gato Blanco incluye el primer hit internacional del grupo: ahí se ve a ese repugnante gitano mafioso, cocainómano y traidor, colocarse cada vez que estalla el estribillo de “Pitbull Terrier”, una explosión de sobrecarga anabólica de eso que sus autores bautizaron el sonido “Unza Unza”.
El Unza Unza mezcla punk, funk, ritmos gitanos, jazz y otros estilos que hacen a este estilo único y movido. Así el siguiente álbum es titulado "Unza Unza Time", con canciones basadas en Gato Negro, Gato Blanco como Pitbull Terrier (Pit Bull), Lubenica (Duj Sandle) o Gruss Gott Trauer (Bulgarian Dance) y canciones nuevas como Was Romeo Really a Jerk? o Prnavor además de la versión en Unza Unza del Kalasnikov de Goran Bregovic: Drang Nach Osten.
El año 2001, después del lanzamiento de Unza Unza Time, Kusta lanza Super 8 Stories, un documental sobre la banda y sus integrantes. Para el año 2005, el violinista Dejan "El Juez", Nele y Kusturica componen las canciones para su nueva película "La Vida es un Milagro" y Kustu con su hijo Stribor, crean la ópera punk "Tiempo de Gitanos", presentándose en París y pronto en diversos lugares de Europa.

Integrantes [editar]
Dr. Nelle Karajlic (Nenad Janković)- Voz, compositor, líder
Emir Kusturica- Guitarra rítmica, ex bajista, compositor
Stribor Kusturica- Batería (hijo de Kusta)
"Čeda,el Gurú" (Zoran Marjanović)- Percusiones (profesor de Sribor)
"El juez" (Dejan "Leopold" Saparavalo)- Violín, compositor
"La Cabeza" (Glava Markovski)- Bajo
"Her Dralle Draugentaller" (Drazen Janković)- Teclados (hermano de Nele)
Zoki Milošević- Acordeón
"Blackbird" (Neša Petrović)- Saxofón
"El papa" (Goran Popović)- Tuba
Ivica Maskimović- Guitarra

Thomas Newman - The War Soundtrack

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The War es uno de esos scores de Newman, con mixes calientes y secuencias gentiles, mostrando su lado mas austero e inventico. El Main theme, que comienza en los títulos del comienzo como un tono de ruego de cuerdas, no es uno de sus mas memorables, pero es adorable, sobre las mismas líneas de The Shawshank Redemtion o Little Woman, aunque mas delicado; Newman parece casi tan cuidadoso que hace que su melodía no sea muy intrusiva. Así como en sus primeros Scores Fried Green Tomatoes, Newman no duda en emplear voces femeninas (Yvonne Wiliams) quien nos atrapa en el track de apertura, Juliette. Williams’ desafortunadamente solo aparece en este y en el track final, Angel Pen. Un buen número de instrumentalistas poco tradicionales son usados donde sea, para crear efectos inusuales, se destaca el didgeridoo, algo que suena como una versión mas profunda de banjo (Ideal para la aldeana familia de con la que Costner se ve forzado a hacer un trato) y una variedad de otros curiosos instrumentos que lamentablemente no son detallados en el disco y son difíciles de identificar de oído.

Trevor Jones - The Dark Cristal Soundtrack

RECOMENDADO

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Edicion limitada de 5000 ejemplares

Cd 1

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Cd 2

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Música compuesta por Trevor Jones. Orquestaciones de Trevor Jones, Peter Knight y John Coleman.
Interpretada por la London Symphony Orchestra, dirigida por Marcus Dods.
Grabada por John Richard y Eric Tomlinson. Mezclada por John Richard y Dick Lewsey. Editada y masterizada por James Nelson. Restauración de audio por Chris Neel. Album producido por Ford A. Thaxton.

Película dirigida por Jim Henson y Frank Oz. Interpretada por John Baddeley, Stephen Garlick, David Buck, Barry Dennen, Percy Edwards, Michael Kilgarrif, Lisa Maxwell, Brian Muehl, Jerry Nelson, Joseph O'Conor, etc.

James Newton Howard - Snow falling on cedars Soundtrack

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James Newton Howard es uno de los compositores más interesantes del panorama musical actual. Cuando nos referíamos a UNBREAKABLE (2000) hablamos de DINOSAUR (2000) o ATLANTIS: THE LOST EMPIRE (2001), como los ejemplos, quizás, más espectaculares. SNOW FALLING ON CEDARS destaca precisamente por otro concepto compositivo: «el esfuerzo de traslación del lirismo de Howard a la melodía atmosférica». Los elementos étnicos orientales juegan en este sentido un papel determinante. La obertura Lost in the Fog nos introduce en la trama misteriosa de la narración de Ron Bass. La instrumentación denota esos elementos étnicos representados por el shakuhachi interpretado por Bill Shozan Schultz, por la percusión y los flute tan presentes en la composición de James Horner. Siguiendo el mismo estilo melódico, y compartiendo el protagonismo de la intrumentación oriental en Carl's Fishing Net James Newton Howard contrapone los coros, la orquestra y el solo de violoncelo —que corre a cargo de Ron Leonard—.
Elementos occidentales y orientales permiten recrear la atmosfera densa que SNOW FALLING ON CEDARS necesita para dar forma al guión. Así una narración medio nostálgica medio misteriosa que se sustenta en una historia romántica necesitaba un juego de melodias que reflejasen un sentido meláncolico —nostalgico—. Pongo un ejemplo: The Strawberry Field. En esta pista James Newton Howard expresa su lirismo con el violoncelo y el shakuhachi. Nos hemos referido al guión de Scott Hicks y Ron Bass. Éste se sustenta en una historia de suspense y romanticismo. El marco era un pueblo pesquero en la costa oeste de los Estados Unidos. Una parte importante de la población estaba conformada por japoneses. El marco temporal, la postguerra mundial, hace de este film una denuncia racial de la situación de los emigrantes japoneses en S. Piedro. La muerte, en circunstancias dudosas, de un pescador estadounidense hace que las dudas recaigan en un pescador japonés.
A los pocos minutos de apagadas las luces, la inocencia de este buen hombre ya es un dato evidente para el espectador. No así para los locales, que lo someten a un juicio por homicidio. Docenas de flash-backs ilustran el pasado y las secuencias que entretejen la historia. En este sentido James Newton Howard consigue también entretejer su obra en base a replanteamientos atmosféricos, para los que recurre al uso del sintetizador. The Evacuation es una melodía hondamente apagada pero con un claro sentido de retroceso, de nostalgía, que es remarcado en la coda por los coros y la percusión.
El principal problema que presenta el film de Scott Hicks es el tempo narrativo de la historia. Los elementos románticos apenas dan agilidad al guión, pero sí que confieren a la composición de James Newton Howard un toque de distinción respecto al resto de su obra. Este elemento romántico tiene en Hatsue Miyamoto, la esposa del acusado, su razón de ser. Ella conforma el enlaze de la historia sublatente. El primer amor de Ishmael Chambers (Ethan Hawke) —periodista que sospecha de la inocencia del japonés— y la razón por la que se involucra en la investigación.

Texto extraido de: http://www.scorefilia.com/sf/cd/00/171.html

Thomas Newman - Meet Joe Black Soundtrack

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"Yes", con la respuesta a la pregunta que se hace Bill Parish comienza uno de los trabajos más sólidos de Thomas Newman, una partitura formalmente impecable que recae en un romanticismo de lo más sugerente. La película MEET JOE BLACK es un juego de espirales temporales que se refleja en la música, donde Newman consigue darle un estado de melancolía presente.
La trama aporta a las imágenes y a la música el resto de la carga melancólica de un tiempo que se escapa de las manos y que tiene que aprovecharse. Bill Parish —un rico empresario dedicado a las comunicaciones— recibe una mañana la visita inesperada de la Muerte encarnada en Joe Black (Brad Pitt). Joe responde con un resuelto «sí» a la pregunta que ronda por la cabeza de Parish: «¿moriré?». Desde entonces el argumento toma conciencia existencialista. Thomas Newman hace posible este sentido a partir de una música ajustada a las escenas. A pesar de que algunas críticas tachaban de poco interesante el score de Newman, es necesario decir que su instrumentación es un ejercicio distinto al de trabajos posteriores como AMERICAN BEAUTY (1999) o ERIN BROCKOVICH (1999) y que toma nota de las partituras que ya había compuesto explorando el existencialismo, caso de LITTLE WOMEN (1994). Como ya ocurre con otras composiciones —posiblemente THE CIDER HOUSE RULES (Rachel Portman, 1999) sea el ejemplo más destacado—, en Meet Joe Black la presencia del piano en el papel de conductor facilita la cohesión de las cuerdas en la narración de la historia.

Texto extraido de: http://www.scorefilia.com/sf/cd/00/151.html

Altan - The First Ten Years (1986-1995)

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Altan - Blackwater

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Altan - Local Ground

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Altan - Island Angel

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Altan era la tipica formacion irlandesa compuesta por maravillosos instrumentistas y una voz solista, que alternaban temas instrumentales con canciones tradicionales. Pero... esas canciones...era como si la propia tierra cantara por boca de su vocalista Mairead Ni Mhaonaigh. Una voz delicada y dulce, pero increiblemente profunda, iba narrando acordes musicales de una belleza y tristeza absolutas, junto a otros de una fuerza arrolladora, y transportandome a una tierra diferente, humeda, de nieblas y de miseria, de hadas y terratenientes britanicos. Ya me lo dijo un dia un gran amigo irlandes: "los irlandeses tenemos las gerras mas alegres y las canciones mas tristes!". Repuesto de la escucha de algunas de esas tonadas me sumergi en el mundo de los ritmos irlandeses, reels, jigs, mazurcas, strathspeys, y slow airs que altan como nadie saben interpretar y no me cupo ninguna duda, de que estaba ante uno de los grandes grupos que estaban renovando la musica tradicional irlandesa.Altan ha sacado al mercado muchos discos desde entonces. La gran esperanza que supuso para los amantes de las nuevas musicas su aparicion se ha confirmado en unos aspectos si y en otros no. Altan ha ayudado a cambiar el panorama de la musica irlandesa sin suponer una ruptura con las formas de hacer tradicionales. Ha modernizdo sus arreglos y ha conseguido acercar la musica tradicional a un gran numero de oyentes que no la incluian entre sus preferencias. Pero no ha logrado ni el reconocimiento, ni la difusion internacional que han conseguido Clannad o Enya en Irlanda o Capercaillie en Escocia. Quiza la temprana muerte de Frankie Kennedy, flautista y colider del grupo, supuso un golpe que Altan no pudo superar. El ultimo trabajo de esta formacion se llama The blue Idol, y siguiendo las directrices que Altan se ha marcado desde su nacimiento, compagina temas instrumentales de ritmos variados irlandeses, con canciones en ingles y gaelico, entresacadas del inmenso acervo musical tradicional de este pais. Quiza la unica gran diferencia remarcable en este trabajo, sea (en la senda marcada por chieftains) la colaboracion en varios de los temas del CD, de grandisimas figuras de la musica irlandesa y americana, como Paul Brady (con quien se marcan el mejor tema del cd Daily Growing), Dolly Parton (encantadora en The pretty young girl), Liam O'Flynn, Donal Lunny o Steve Cooney.Es de resaltar que aun con tan magnificas colaboraciones, este disco es quiza, el menos bueno de todos los que ha presentado hasta ahora el grupo de Gweedore. Excepto el primer tema Daily Growing, encontramos en el menos emotividad y tension que en otros trabajos como el antes mencionado Harvest storm (quiza su mejor trabajo), Island Angel o el penultimo y grandisimo Another sky.En cualquier caso Altan es un grupo indispensable para un celtofilo y altamente recomendable para cualquier amante de la buena musica, hecha con paciencia y con calidad.
texto extraido de: http://www.ciao.es/The_Blue_Idol_Altan__Opinion_597098

Romeo And Juliet 10th Anniversary Edition Soundtrack

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La música de la "más grande historia de amor que el mundo jamás conoció", reza el cintillo del compacto de la música del fime Romeo y Julieta, producción de Craig Armstrong, compositor y arreglista de grupos como Massive Attack, Madonna, U2, Passengers y Suede. El polémico director australiano Baz Luhrmann encargó el diseño y producción musical de la película al propio Armstrong y a Nelle Hooper, quienes reunieron a un surtido elenco de musicos alternativos para imprimirle el particular sello posmodernista a la banda sonora. Aunque el trabajo de ambos es coronado con hartos aciertos musicales, se ha convertido en la norma y la regla como lo comprobamos con la última producción de la dupla, dentro del CD de Mission Impossible y sus anteriores incursiones en filmes como Batman Forever y James Bond. Aunque a veces resulta inconsistente la mezcla de estilos de las diferentes bandas participantes en el track, los genios productores han dado con una eficaz receta que no solo permite hacerla sino que incluso promocionar y vender material de muy dudosa calidad. Así, junto al tema de amor de la película , interpretado con limpieza por Des'ree, encontramos el aporte de Butthole Surfers, "Whatever (I hade a dream)" -hiphop/funk narrado- y a Kym Mazelle, al borde del disco ordinario y elemental. Emprender el rescate y la reivindicación de lo underground es una tarea encomiable pero cuestionable si se prescinde de quienes, dentro de la órbita de la música subterránea, tienen los meritos y las cualidades. Repentinamente los productores echan en el mismo costal a éstos y a los insuficientes, tal y como en el género lo hacen dentro del diseño de la película, al borde de lo cult y lo kistch. Y a propósito de material semi de culto, nos encontramos los tres temas valiosos de la producción, "#1 Crush" de Garbage, "Loverfod" de The Cardigans y "Talk Show Host" de Radiohead, que denotan el impecable estilo post grunge. A Quindom Tarver, por su parte, se le encomienda la penosa tarea de hacer "Everybody's free (to feel good)", especie de himno gospel de iglesia protestante, parangón estético con la corte de santos de yeso, propiedad de Julieta (Claire Danes) en la película. Finalmente el tema "Little Star" de Stina Nordenstam, nos presenta una balada en folk con un tratamiento vocal de efectos, rescatable en el marco de la estructura temática del filme. El material del compacto por sí mismo carece de potencia y sus basamentos agógicos son extremadamente débiles, aunque dentro de la banda sonora cumple su cometido, cual es proporcionarle a la cinta de Luhrmann su estructura principal, como en un video-clip de enorme metraje.

COPYRIGHT 1997 Agencia Reforma
Byline: Angela Hoces Sauvat

Altan - Altan

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La banda de folk tradicional Altan se formó a mediados de los ochenta en Irlanda cuando el grupo de grabación del segundo álbum del dúo de Ni Maoinaigh y Frankie Kennedy decidió continuar trabajando como banda. Casualmente, ese álbum se llamaba “Altan” por un lago de Donegal. La recién formada banda publicó su álbum de debut “Horse With A Heart” en 1989. Su segundo trabajo, “Red Crow” (1990), obtuvo el premio al mejor álbum de música tradicional celta. Altan fue calificada por la crítica como “la mejor banda irlandesa de la actualidad” (Wall Street Journal).

Tarkan - Tarkan

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Tarkan comenzó a estudiar música en la pequeña ciudad de Karamürsel. Su camino a la fama comenzó cuando su familia se mudó a Estambul en 1988, y él comenzó a prepararse para sus exámenes de admisión a la universidad en 1990. En su estancia en Estambul tuvo muchos problemas, así que decidió mudarse a Alemania de nuevo. Fue cuando el estaba preparándose para regresar a Alemania que conoció a Mehmet Söğütoğlu, el presidente de un sello discográfico llamado İstanbul Plak. Entonces, producido por Söğütoğlu, Tarkan lanzó su álbum debut Yine Sensiz (Sin ti de nuevo, en turco), el cual vendió más de 750.000 ejemplares en Turquía. Su segundo álbum A-Acayipsin (Oh - Tú eres algo más) vendió más de dos millones de ejemplares en Turquía, y 750.000 en Europa. Esta fue la primera hazaña de un artista turco a nivel internacional.
Así fue que Tarkan se convirtió en una estrella de la noche a la mañana, y entonces decidió mudarse a Nueva York, Estados Unidos para escapar un poco de las hordas de fans que lo acosaban y para completar su educación. Estando allí conoció a Ahmet Ertegün (el co-fundador de Atlantic Records), quien trató de animarlo a cantar en inglés. Pese a ser muy conocido en Europa y Latinoamérica, su carrera no ha prosperado en Estados Unidos.Tarkan, luego de una presentación en la ciudad de Viena
1997-2000
En julio de 1997, el sencillo Şımarık, del álbum Ölürüm Sana (Moriría por ti), fue lanzado en Turquía. Dicho álbum tardó tres años en terminarse e incluía las colaboraciones de Sezen Aksu y Ozan Çolakoglu. Tiempo después, Şımarık se convirtiría en un éxito a escala global y permititiría a Tarkan extender su popularidad a sitios como Iberoamérica y Europa Occidental.
En 1998 fue editada en Francia una recopilación de su segundo y tercer disco que llevaría simplemente su nombre: Tarkan. El álbum incluía nuevas versiones de Hepsi Senin mi? y Kır Zincirlerini, rebautizadas como Şıkıdım y Bu Gece, respectivamente. Su éxito llevó a que se reeditara en 1999 para el mercado europeo en general, añadiéndosele uno o más remixes según el país de edición. En el 2000 el álbum Tarkan fue lanzado finalmente en Iberoamérica, Estados Unidos y Japón. Rápidamente se convirtió en disco de platino en países como México.
De este álbum también se extrajeron los sencillos Şıkıdım y Bu Gece. Tarkan realizó dieciocho conciertos en diecisiete ciudades de Europa e Iberoamérica para promocionarlo.
2001-2007
En 2001 lanzó su álbum Karma al cual la crítica considera su mejor álbum hasta el momento, con una producción perfecta. De él se extrajeron dos sencillos en Turquía: Kuzu Kuzu y Hüp.
Su híbrido álbum/EP Dudu (Mujer) fue lanzado en el verano boreal de 2003 bajo su propio sello discográfico HITT Music. Este fue el primer álbum de su tipo en vender más de un millón de ejemplares en su país.
Tanto en Karma como en Dudu colaboró con él la cantautora Nazan Öncel.
Tarkan también ha sido el rostro de Pepsi en Turquía, y ha apoyado a la selección de fútbol turca con el "himno futbolístico" Bir Oluruz Yolunda (Unidos por ustedes), hecho con motivo de la Copa Mundial de 2002.
También lanzó su propia fragancia en 2004, llamada Tarkan.
En octubre de 2005 lanzó su sencillo debut en inglés Bounce en Turquía.
Su álbum debut en inglés Come Closer, fue lanzado el 7 de abril de 2006 en ciertas partes de Europa, bajo el sello discográfico Universal Music. En 2007 Tarkan trabajó en la remezcla de los temas de Come Closer, grabando junto a nuevos colaboradores, para el lanzamiento de una nueva versión del álbum en el mercado estadounidense en el correr de 2008. Se ha anunciado además, que esta nueva versión incluiría al menos dos temas nuevos.
El octavo álbum de Tarkan, Metamorfoz, fue lanzado por las tiendas D&R en Turquía el 25 de diciembre de 2007, un día antes de su comercialización general en el mercado. Incluye diez nuevos temas de su autoría (tres de ellos co-compuestos junto a Ozan Çolakoğlu). En él Tarkan vuelve a cantar en turco fusionando una vez más ritmos orientales y occidentales pero ahora desde una nueva perspectiva, fruto de su propia evolución como artista que ha crecido entre estos dos "mundos", con una carrera de ya quince años.

Ronan Hardiman - Michael Flatley's - Feet of Flame

Ronan Hardiman (Dublin, Irlanda, 1961) es un compositor irlandes de música celtica aunque también hace excepciones con la música etera. Inicio como cajero en el Bank of Ireland y pronto realizo su sueño de ser compositor, debutó en 1993 con el pseudonimo Shanon con el disco Celtic classic 1, le siguen Celtic classic 2, Lord of the dance, Solas, Anthem, Feet of flames y Celtic tiger es su ultima entrega.

Gabriel Yared - The English Patient Soundtrack

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Tras la escucha de este CD, no es de extrañar que a Gabriel Yared se le tenga encasillado en melodramas y películas de lagrimilla fácil. Lamentablemente, tras el aún candente "affaire Troy", parece que tardaremos en encontrar a ese Yared capaz de mostrarnos más acción, más épica y no tantos momentos románticos. Mientras tanto, y aún así, merece la pena disfrutar de su obra hasta la fecha.
"Gabriel Yared Film Music 1998/1980" es un recopilatorio promocional editado y distribuido por el propio compositor en el que se recogen algunos de los mejores momentos de su obra, comprendidos, como ya lo dice el título del álbum, entre 1980 y 1998. Como también nos indica el título, las obras se hallan ordenadas en sentido cronológico inverso.
Así, las tres primeras pistas corresponden a su por entonces más reciente obra, "City of Angels". Evocadoras, románticas, pero con el tinte dramático que embarga a la historia que nos narra la película.
Las siguientes cuatro pistas pertenecen a su éxito más reconocido y premiado, "The English Patient". Seguimos teniendo ese estilo Yared, en el que resulta tan natural introducir motivos románticos, acompañados por algo de instrumentación étnica.
De "Wings of Courage" me quedo con ese maravilloso vals que Yared utiliza como tema principal. Y en "Map of the Human Heart" volvemos a encontrar motivos étnicos insertados entre los movimientos clasicistas entre los que tan bien se maneja el compositor.
Las siguientes pistas recogen temas de películas menos conocidas de Yared. Pero no por ello su música deja de ser maravillosa. Quizá donde decaiga un poco sea en la pista 21, para el film "IP 5", para el que compone un extraño bolero mix a base de sintetizador, y en la parte correspondiente a "Betty Blue", curiosamente también realizada a base de teclados y guitarra eléctrica. No es que parezca que Yared no está a gusto con instrumentos electrónicos, es que para esta segunda obra en concreto resultan demasiado estridentes.
De esta segunda parte del CD me quedo con los dos temas de "Camille Claudel", en los que Yared nos hace partícipes de la pasión de la artista, y con las tres pistas para "The Moon in the Gutter", de 1983, donde ya encontramos al Yared melódico que todos conocemos.
En conclusión, se trata de una exquisita tarjeta de presentación para el compositor, un vehículo ideal para que aquéllos a los que la música más clásica no termine de entrarles. Me consta que el propio Yared ha enviado alguna copia de este CD a muchos aficionados que le han hecho llegar su afición por su obra. Así que, ¿por qué no atreverse?
Lo Mejor: La gran facilidad de Gabriel Yared para construir momentos melódicos e intimistas.
Lo Peor: El encasillamiento al que le ha llevado esa faceta suya.
El Momento: Difícil quedarse con uno sólo, casi todo en el CD es bellísimo.

Informacion Extraida de: http://www.bsospirit.com/comentarios/yaredfilmmusic.php

Michael Nyman - The Piano Soundtrack

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Enmarcado en un estilo sonoro para audiencias reducidas y “cultas” Michael Nyman da el salto a la música New Age tras los encargos que le realiza el director Peter Greenaway para las B.S.O. de sus películas “Drowing by numbers”, “El contrato del dibujante” o “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante”. Son películas de gran éxito en los más importantes festivales cinematográficos y en los cines de todo el mundo, lo que produce que el nombre de Nyman esté en boca de todos.Sin embargo, es “The Piano” la obra que confirmación la maduración del estilo de Nyman. Tras una aparente sencillez brota una extrema delicadeza, una música melódica, ensoñadora, sugerente, llena de fuerza narrativa. “El Piano”, la composición musical, estuvo nominada a los Oscar del 94, convirtiéndose en uno de los discos de mayor volumen de ventas de ese año, caso raro tratándose de una B.S.O.

Extraido de: http://www.dooyoo.es/discos/el-piano-bso/398034/

Youssou N'Dour - Joko (Desde la aldéa hasta el pueblo)

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Youssou N'Dour es uno de los más célebres músicos africanos de la historia. Cantante, autor, compositor, líder de una banda y productor, Youssou nació en 1959 en Dakar, la cosmopolita capital de Senegal. Su música mezcla el moderno mbalax (palabra que en wolof quiere decir la música popular de Senegal) con influencias eclécticas que van desde la salsa cubana al hip hop, pasando por el jazz. Criado en el duro ambiente de la medina de Dakar, comenzó a actuar a los 12 años. Tiene su propio estudio de grabación, Xippi, y su sello musical, Jololi. Ganó el Grammy al mejor álbum de música mundial contemporánea con su último trabajo, Egypt (2004). Durante más de 20 años, Youssou ha grabado y ha realizado giras por todo el mundo, haciendo internacionalmente famoso el mbalax. Su dúo con Neneh Cherry “7 seconds” ha sido su composición de más éxito comercial, de la que se han vendido como sencillo más de 2 millones de copias en todo el mundo. La canción fue nombrada canción del año en Europa en los World Music Awards de 1995 en Mónaco. Durante su dilatada carrera, el cantante ha mostrado su compromiso con varios temas sociales y políticos. Todo su experimental e introspectivo álbum Set, editado por un sello comercial (Virgin, 1990) está lleno de apremiantes llamamientos morales, que generaron un aumento de la acción directa de los jóvenes de los guetos de Senegal y culminaron en un movimiento ecológico urbano denominado “Set-Setaal” (sé limpio).

Sheila Chandra - Moonsung

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Nacida en Londres en el seno de una familia india de origen tamil, Susheela Raman ha irrumpido en el ámbito europeo de las músicas del mundo con una propuesta personal y globalizadora rebosante de matices y colores. Un crisol musical evocador, que tiende puentes entre la música tradicional del sur de la India y los latidos urbanos contemporáneos conjugada con patrones africanos. Todo ello, con un envoltorio sensual con regusto jazzy y étnico. Música sensual y llena de conexiones inesperadas como la contenida en Salt Rain (Lluvia salada), ópera prima nominada a los BBC Music Awards y a los Mercury Prize (junto a PJ Harvey y Radiohead). De la esencia del álbum nos habla Susheela. «Busco la reconciliación entre músicas y culturas. Cuando era más joven, la música india estaba muy alejada de la occidental, pero con el tiempo he aprendido que hay más conexiones que diferencias». La cantante nació en Inglaterra y siempre ha vivido un ambiente musical. Conoció los ritmos ancestrales de la mano de sus padres, que no son músicos, pero proceden de una familia con gran tradición musical. Después emigraron a Australia, donde formó una banda de funk en la adolescencia. La música de Susheela va más allá de la simple fusión y para encontrar esos puntos de encuentro, ha contado con la ayuda del productor Sam Mills. En torno a la cantante se ha reunido un excelente elenco multiétnico de músicos versátiles como Hilaire Pensa (Salif Keita, Trilok Gurtu), Vicent Savall (Milton, Nana Vasconcellos), Aref Durhesh (Nitin Shawney, Sting), o Dajanuno Dabo (Cesaria Evora, Angelique Kidjo). «El éxito del disco es fruto de tres años de trabajo junto a estos músicos fantásticos, que pusieron todo su sentimiento y su energía positiva durante la grabación. He aprendido mucho de ellos y del productor. Sam es además mi pareja, así que tuvimos una comunicación muy sincera y cercana al hacer el disco. Aunque todos somos de diferentes países de África, Europa y Asia, coincidimos en que hacemos una música ‘crossover’ que no entiende de fronteras y culturas». Salt Rain ha trepado a lo alto de las listas europeas de world music gracias a una sensual y espiritual colección de canciones interpretadas tanto en inglés como en diversas lenguas indias. Melodías seculares y contemporáneas, a veces relajantes y otras, intensas, que, envueltas en una cierta espiritualidad, se entrelazan con novedosos patrones urbanos africanos y europeos.

Yann Tiersen - Goodbye Lenin Soundtrack

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Lo primero que llama la atención después de una primera escucha del disco sin haber visto la película, es que nos encontramos ante un Tiersen discreto, sin estridencias. El acordeón que le caracterizaba en todos sus anteriores discos ha desaparecido. Al público le importa un pimiento si es capaz de tocarlo al mismo tiempo que el piano, o si no necesita las manos para hacerlo. El público sólo quiere que no le estropeen la película con una música que es más un exhibicionista show personal que no una banda sonora al servicio del film.
Pero está claro que Yann es lo bastante inteligente como para adaptarse a las necesidades de la película sin perder completamente su estilo. Aquéllos que amaban las piezas a piano de "Amelie" y sus anteriores trabajos, van a disfrutar de lo lindo con "Goodbye Lenin!", ya que es el instrumento principal; omnipresente en casi todos los temas. Igualmente sus fans darán saltos de alegría al saber que hay una canción con la voz solista de Claire Pichet.
Nada más que eso: Piano y Claire Pichet. Sus dos únicos puntos de contacto con el Yann Tiersen del pasado. No tenemos acordeón, no tenemos guitarra eléctrica, no tenemos violín solista, pues... ¿qué nos queda?
Nos queda un compositor que no ha alcanzado su madurez, pero por lo menos empieza a entender cómo funciona el cine, y es capaz de experimentar y encontrar nuevas y brillantes soluciones musicales sin necesitar de ponerse pedante y "experimental" (en el peor sentido de la palabra). Además de los temas a piano, sólo encontramos instrumentos orquestales (interpretados por su conjunto favorito, Synaxis, con el refuerzo de la Orquesta de Vienna). Y es en esas piezas donde Tiersen vuelve a arriesgarse a que lo llamen "minimalista", o "el Michael Nyman francés" (Dios mío, hay que tener imaginación...). Pero curiosamente, mi opinión es que, puestos a comparar, sus piezas orquestales estarían más en la línea del Wim Mertens de "Integer Valor", pero tarde o temprano empezaríamos a encontrarle pegas a esa comparación, así que lo mejor es seguir adelante con un único concepto: "Yann Tiersen suena a Yann Tiersen, con acordeón, con armónica o con gaita".

Extraido de: http://www.bsospirit.com/index.php

Yann Tiersen - Rue des Cascades

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Desde este, su segundo disco, Yann Tiersen logra identificar y consolidar su particular estilo en la combinacione de pianos y cuerdas. Emocionantes y vibrantes minicomposiciones con las que dan ganas de salir corriendo y lanzarse al vacio con la seguridad de que no caeras y comenzarás a bailar por entre las nubes con las nubes, siendo una misma nube. El aire fresco pega fuerte por tu cara y viene como Peter Pan y su tierra de Nunca Jamás. Rue des Cascades calma las pasiones y relaja el alma, eleva el espíritu y comienza a vivir con una sonrisa por la calle. Sorpesa paa los que no nococen mucho a Tiersen, es desde aqui que ya comienzana a sacarse las cacniones para su más reconocida obra, el OST de Amélie (2001)

Philip Oakey y Giorgio Moroder - Electric Dreams Soundtrack

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La canción "Together in Electric Dreams" de Philip Oakey y Giorgio Moroder fue realizada como un single y se convirtió en un hit internacional en 1984. Y fue incluida en su posterior album Philip Oakey & Giorgio Moroder (1985). sigue siendo interpretado regularmente por Oakey y su banda "The Human League" hoy en día, es una de sus canciones en vivo mas populares.El score ronda en las variaciones instrumentales y sintetizadas de este tema ycuenta ademas con la precensia de grandes artistas como: Culture Club, PP Arnold, Heaven 17 y otros.

Björk - Dancer In The Dark Soundtrack

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Escuchar esta versión en realidad enriquece la experiencia que fue Selmasongs (la versión del álbum) y es que hay diferencias, algunas muy discretas y en otras la canción cambia totalmente.Overture queda exactamente igual. En Cvalda nos encontramos con sonidos extras de la prensa donde trabaja Selma y algunos coros;Catherine Deneuve se oye más que en la versión original; la canción también es interrumpida casi al final por una máquina. I've Seen It All aquí recobra completamente su sentido y en lugar de Thom Yorke se encuentra Peter Stormare, que aunque no tiene una gran voz hace un buen trabajo; Smith & Wesson (Scatterheart) cambia completamente de letra y nos narra ahora un trágico suceso en tiempo real, Björk ahora cuenta con el acompañamiento de David Morse, Cara Seymour y Edward Ross. In The Musicals se divide en dos partes: la primera, el arresto de Selma y la segunda el juicio. La primera parte cuenta con un intro de Climb Every Mountain (from 'Sound Of The Music'). En la segunda parte ahora es acompañada por Joel Grey y hay unos ligeros cambios hacia el final. My Favorite Things es cantada acompañada de un lejano coro de iglesia mientras Selma se encuentra detenida. 107 steps con Siohban Fallon también tiene ligeros cambios en la letra.

Next To Last Song es la desgarradora canción que funciona a manera de últimas palabras de Selma justo antes de su ejecución y que después se convierte en New World, la canción de los créditos.

Extraido de: http://ultimovicio.blogspot.com/search/label/Björk

Billie Holiday And Her Orchestra (1939-1940)

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01/01/39 Se incorpora a la banda de Duke Ellington el magnifico arreglista musical Billy Strayhorn. Ambos formarían un matrimonio musical que ha dado al jazz sus mejores tardes de gloria. Meses mas tarde, otro gran músico, Jimmy Blanton, contrabajista también ficharía por la orquesta de Ellington.

01/01/39 Barney Josephson, un fabricante de zapatos, abre en el barrio de Greenwich Village el club "Café Societé" y contrata para la inauguración a la cantante Billie Holiday.

06/01/39 El tema Boggie Woogie Stomp y su autor Albert Ammons, inaugura la larga vida de grabaciones para el sello "Blue Note", uno de los sellos míticos del Jazz moderno.

04/06/39 Muere en New York el genial trompetista de New Orleáns Tommy Ladnier. Cuatro días después, Sidney Bechet, su gran amigo, graba para "Blue Note" una magnifica versión de "Summertime" en memoria de Tommy.

16/06/39 Muere en el hospital John Hopkins de Baltimore el batería de Jazz y director de orquesta: Chick Webb.

01/01/39 Muere Gertrude "Ma" Rainey, la primera gran cantante de blues.

11/10/39 Coleman Hawkins graba a los pocos meses de su regreso a los EE.UU. su obra maestra definitiva, una de las joyas de la historia del Jazz: "Body and Soul".

04/02/39 Count Basie realiza su ultima grabación para DECCA, y firma por la Columbia.

20/04/39 Billie Holiday graba para el pequeño pero selecto sello discográfico "Commodore" un tema que permanecerá indisolublemente ligado a la historia de la cantante y que desde entonces se constituyó en un autentico manifiesto antirracista: "Strange Fruit".

01/01/39 Muere prematuramente el gran saxofonista de Kansas City, Herschel Evans.

01/01/39 Se forma el famoso y novedoso trío de Nat King Cole. Junto al pianista, lo formaban el guitarrista Oscar Moore y el contrabajista Wesley Prince.

01/03/39 Charlie Parker es admitido en la orquesta de Jay McShann, un pianista que tuvo el honor de ser el director de Charlie Parker y de la ultima bigband de Kansas.

01/01/39Desde Enero y durante nueve meses, Billie Holiday actúa con regularidad en el Café Society. Estrena su gran éxito "Strange Fruit".

20/01/39 Primera sesión de grabación de Billie Holiday con el pianista Sonny White, uno de los cuatro grandes acompañantes de Billie.

20/04/39 Primera sesión de grabación de Billie Holiday con el recién creado sello Commodore. Primer registro de Strange Fruit y Fine and Mellow.

08/08/40 Muere victima de una congestión cerebral el genial clarinetista de Jazz de New Orleáns, Johnny Dodds.

01/01/40 Alex Steinweiss, crea para la Columbia Records el primer diseño para portadas de discos iniciando una revolución en el mercado discográfico de la que copiaron las demás compañías.

10/04/40 Llega a la banda de Tommy Dorsey, un cantante flacucho y desgarbado pidiendo ser admitido en la orquesta. Se llamaba Frank Sinatra y con el la orquesta de Dorsey ganó en calidad hasta situarse en los primeros lugares de popularidad. Sinatra grabó para la orquesta mas de ochenta títulos en los casi dos años y medio que permaneció con el trombonista.

13/12/40 Lester Young, deja la banda de Count Basie. La leyenda dice que fue por que Lester faltó a una sesión de grabación el viernes 13 porque era muy supersticioso. Lo sustituyó el magnifico saxo tenor, Don Byas.

29/02/40 Última grabación de Billie Holiday, para el sello VOCALION.

07/06/40 Billie Holiday, inicia las grabaciones con OKEH, un sello subsidiario de ARC.

Alberto Iglesias - The Kite Runner

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Alberto Iglesias, compositor español, con una formación musical que incluye estudios de piano, composición, contrapunto y música electrónica y una larga trayectoria internacional en la creación de bandas sonoras para cine.

Desde sus comienzos en los años 80 ha compuesto más de 30 bandas sonoras dirigidas por los más prestigiosos y vanguardistas directores españoles: Pedro Almodóvar La flor de mi secreto, Carne trémula, Todo sobre mi madre, Hable con ella y La mala educación, Julio Medem La ardilla roja, Tierra, Los amantes del círculo polar y Lucía y el sexo, Iciar Bolláin (Te doy mis ojos), Bigas Luna (La camarera del Titánic) y Carlos Saura (Dispara).En Septiembre de 2007 Alberto Iglesias recibió del Ministerio de Cultura el Premio Nacional de Cinematografía. Gracias a su último trabajo, The Kite Runner de Marc Foster.

Bill Evans Trio - En vivo en Buenos Aires - 1979

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Este es un concierto grabado en el Teatro General San Martín de Buenos Aires, 27 de Septiembre de 1979.Lo realizo con su trio: Bill Evans al piano, Marc Johnson en bajo y Joe LaBarbera, batería. Y fue uno de los últimos de su extensa carrera.

Harry Gregson-Williams - The Chronicles of Narnia: Prince Caspian Soundtrack

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Parte 1

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Parte 2

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La música para Prince Caspian sigue el estilo que Gregson-Williams estableció en el primer film, pero debido a la naturaleza de esta secuela, que es un poco más oscura y agresiva, nuevos temas fueron escritos, y algunos temas de la primera parte reaparecieron reformados.
81 piezas orquestales, fueron grabadas para el score, las cuales se separaron en secciones para su mejor control.
Cuerdas e instrumentos de vientos de madera fueron los primeros, seguidos de Batería; coro y percusión Gregson-Williams dirigió todo él mismo, junto al aclamado ingeniero de sonido Peter Cobbin manejando las mescladoras desde el control.
Hay múltiples escenas de batalla en el film, y los coros son certeramente un aspecto importante del score. El estudio 1 de Abbey Road un espacio largo, con una acústica ejemplar fue el elegido para la grabación y el coro The Apollo Voices, dirigido por Chris Foster, suena por todo lo amplio del lugar, dándole un toque mágico a las piezas mas importantes de este soundtrack

Harry Gregson-Williams - The Chronicles of Narnia: the Lion, the Witch and the Wardrobe, Soundtrack

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En los films épicos de fantasía y aventura, estamos acostumbrados a escuchar cierta clasede música de acompañamiento - hay de hecho un tipo de música que nos conecta inmediatamente con estetipo de films; un "modelo musical" de gran aventura que parece ser algo básico que yace dentro nuestro. Yy por eso esperamos escuchar música de esa clase, de temática arrebatadora, poderosa y de gran alcance,en los scores de Harry Gregson-Williams para las largas producciones de Disney The Lion, the Witch and the Wardrobe es arrebatadora, nos encanta con ambos poder y emoción, mas de lo que nosotros esperamos de este tipo de películas.Nos sorprende un poco con este ligero toque moderno que nos da en algunas secuencias.
Estos toques modernos son evidentes desde el principio - "The Blitz 1940" es una intensa pieza de acciónque fácilmente podría estar sacada de cualquier fil de guerra moderno. Eso es muy apropiado por supuesto, debido a que Narnia comienza en los agitados bombardeos germanos en la Londres de 1940. Luego da paso a uno de los temas del film- Evacuating London. una tranquila y melancólica melodía que surfea por todo el scoreLos arreglos para este segundo track, con piano de fondo, es uno de los mas elaborados del score, y hacia el final el tema cambia; inesperadamente se convierte en una canción Pop con coros de Lisbeth Scott’s y suaves ritmos electrónicos.Los tracks heroicos como "To Aslan's Camp", "The Battle", son interpretados por cuernos o trompetas, con estados provocadores. El tema de Narnia entra por primera vezen una adorable rendición de flauta, como una hermosa melodía reconocible al instante y tiene un par de apariciones en los puntos álgidos del álbum.

Hans Zimmer - The Last Samurai Soundtrack

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Hans Zimmer declaró una vez a The last Samurai como "Gladiador en Japón"The Last Samurai está formada con sonidos lentos y largas líneas melódicas, tiene fuertes raíces en las harmonías y tonalidades orientalescon influencias electrónicas. Zimmer hace uso de una amplia gama de baterías Taiko y el sonido es asombroso y poderosamente tranquilo, mientras que nos retrotrae mas intimamente con los solos de cello y violín en otras partes del score y también agrega algo de savor étnico con la ayuda de instrumentos de viento de madera y el shakuhachi a través de todo el score

Danny Elfman - Charlie & the Chocolate Factory Soundtrack

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Charlie and the chocolate factory es la décima colaboración entre Danny Elfman y Tim Burton, que resulta en uno de los scores mas encantadores del compositoren un largo tiempo, con Elfman regresando al sonido de cuento de hadas de Edward Scissorhands, que también contiene un poco de todo lo que él ha echo para Burton,y otros directores, a lo largo de su carrera. con algunas reminicencias de scores como Family Man, Big Fish, The Nightmare Before Christmas y To Die For

Klaus Doldinger & Giorgio Moroder - Neverending Story Soundtrack

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Magnífica banda sonora, para una excelente e inolvidable película, que marco la infancia de muchos. Una música con el acento de los 80's bien puesto, organos Sintetizadores predominan en toda la obra, en la que se destaca "Bastian Happy Flight", "The Ivory Tower" y la inolvidable canción omonima a la película interpretada por Limahl ex lider de la banda Kajagoogoo.

Great Expectations Soundtrack

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Es de esas bandas sonoras que comparten protagonismo con la película, incluso superándo a esta, ya que muchos momentos del film carecerían de intensidad sin la música que los acompaña. Es un personaje más que se integra en la escena, reforzando e intensificando las sensaciones, los sentimientos, las emociones, los colores…Recoge una ecléctica e importante mezcla de artistas y estilos que no tendrían sentido juntos si no fuera porque muchos de sus temas, fueron creados específicamente o se estrenaron en la película y, ayudan a narrar nota a nota, la historia.
Comienza con la música experimental con tintes electrónicos de Tori Amos, Finn, una intro bellísima que se funde con el primer tema, también de Tori Amos, y de igual belleza, que no podría tener otro título que Siren. Sigue con el trip hop melancólico del duo Mono con Life in Mono. Y le llega el turno al rock más americano con Resignation de los británicos Reef; y con Sunshower, que deja ver el lado más romántico y desgarrado de Chris Cornell, ex líder de Sound Garden y AudioSlave. Pulp trae el brit pop más elegante y optimista con el subidón de Like a Friend. De nuevo, el rock en algunas de sus diferentes versiones. Más melódica con la emotiva Wishful Thinking de Duncan Sheik, más alternativa, con la sugerente Today de Poe, más cabaretera y blusera con Lady, Your Roof Brings Me Down de Scott Weiland, ex vocalista de Stone Temple Pilots y actual voz de Velvet Revolver; y más post-grunge con Her Ornament de The Verve Pipe. El cambio radical de estilo llega ahora con el pop alternativo y delicioso de Lauren Christy y Walk This Earth Alone; y Breakable de Fisher. Y después de la calma, más movimiento con Iggy Pop y su irónica Success, Slave de David Garza y el folk rock de Uncle’s John’s Band de Grateful Dead. Por último la dama del fado, Cesaria Evoria, cantando Bésame mucho, una de las múltiples versiones de este clásico que suena contínuamente en el hilo musical del film. Un cierre más que curioso, de una banda sonora sin fecha de caducidad.

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Bernard Herrmann - Obsession Soundtrack

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Parte 1

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Parte 2

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Bernard Herrmann (New York, 29 de junio de 1911 - Hollywood, 24 de diciembre de 1975), fue un compositor estadounidense de música de cine.
Su debut lo hizo gracias a Orson Welles con Ciudadano Kane y su colaboración más conocida y continua fue con Alfred Hitchcock.
Estuvo nominado al Oscar en 5 ocasiones, ganándolo únicamente por El hombre que vendió su alma (1941).
Como anécdota se puede contar que Herrmann cuando era pequeño y tomaba clases de violín, le dijo a su profesor que quería tocar algo estrambótico y tenebroso, y el docente le dijo que no y Herrmann procedió a quebrar el violín en la cabeza del profesor

Luzmila Carpio - Cantos Quechua - Aymaras de los Andes

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Luzmila Carpio es una cantante de música folklórica boliviana, nació en la comunidad de Qala Qala, Ayllu Panacachi, situada en el Departamento de Potosí Perteneciente a una comunidad indígena, cuenta que su mamá le enseño a inspirarse en la belleza de la naturaleza, así como en los cantos de sus ancestros. Intérprete de charango y quena, instrumentos autóctonos, en sus canciones relata la realidad de su comunidad, como sus tradiciones y ritos religiosos, lo más destacado de su producción es su voz que llega a alcanzar tonos muy altos en la imitación de los cantos de las aves, como la gaviotay pájaros cantores. El contenido de sus composiciones, en su mayoría cantadas en quechua refleja la relación del hombre de los andes con la naturaleza. Actualmente reside en Francia, donde su talento es muy apreciado.