Karen O - Where the Wild Things Are Soundtrack

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Parte 1 Parte 2

Karen O y el compositor Carter Burwell, son los encargados de realizar la banda sonora de la esperadísima película de Spike Jonze: “Where the Wild things are”. Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeahs, exnovia de Spike y encargada de concebir, producir y conceptualizar la banda sonora que acompañará las aventuras de Max y las criaturas salvajes, acaba de sacar un disco con 11 temas que componen la banda sonora de la película. Pero Karen O no enfrentó este inmenso reto sola, los créditos del disco incluyen a sus 2 compañeros de banda, a miembros de Deerhunter, Liars, The Raconteurs, Queens Of The Stone Age y un coro de niños que son las verdaderas estrellas del soundtrack, aportando una inocencia e ímpetu que nos hace recordar la rebeldía infantil de Max, el protagonista de la historia. La música de Karen O and the kids inundaba de manera melódica y hermosa las imágenes mostradas, por lo que el soundtrack era una de las piezas más esperadas de la película. Karen O ha hecho su parte del trabajo, logrando un soundtrack que puede vivir por sí solo y sin depender de la película, evocando sensaciones que todos extrañamos y sólo podemos recordar con estímulos como éstos. Junto a Karen O, se encuentra el compositor ya habitual del director (Spike Jonze) Carter Burwell, quien también ha trabajado anteriormente con los hermanos Cohen.

Reseña extraida de: http://academyawards2009.blogspot.com/2009/10/soundtracks.html

The King of Fighters 99 Soundtrack

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The King Of Fighters '99 es el sexto videojuego de la saga The King of Fighters. Introduce nuevos elementos como el Striker Match y Counter Mode, e incrementa la cantidad de personajes por equipo de tres a cuatro. El juego es la primera parte de la trilogia de NESTS el que implica a una organización oculta que planea dominar el mundo, esta parte introduce el concepto de los clones de Kyo Kusanagi y K', que sería el personaje principal de la historia.

Pasaron dos años desde el último torneo King Of Fighters y nadie volvió a ver a Kyo Kusanagi ni a Iori Yagami desde que derrotaron a Orochi. Acerca de Chizuru Kagura, ella dejo el torneo porque ella creyó que su misión ya había terminado, y además, solo entró con el fin de encerrar a Orochi. Pero a todos los luchadores les envían nuevas invitaciones para unirse al próximo torneo, que regresa al modo de torneo secreto en lugar de un evento masivo, también se modifica la cantidad de participantes por equipo de tres a cuatro.
El incremento de participantes por equipo, así como elementos de la historia de los desaparecidos Kyo y Iori obligó el reordenamiento de varios de los equipos, siendo los más notables los del equipo de mujeres y el equipo de japonés. Con Kyo desaparecido, sus compañeros Shingo Yabuki y Benimaru Nikaido se juntaron con dos misteriosos luchadores, K' y Maxima y con Mai Shiranui finalmente aceptada en el equipo Fatal Fury después de seis torneos y Yuri Sakazaki trabajando con su hermano Ryo Sakazaki en el equipo Art of Fighting, King se vio forzada a armar un nuevo equipo femenino, reintroduciendo a Kasumi Todoh (de Art Of Fighting 3) quien fue vista por ultima vez en King of Fighters '96 y presentando a Li Xiangfei (de Real Bout Fatal Fury 2) en el torneo de King Of Fighters.
El torneo tenía otras sorpresas en la aparición de dos personajes que combatirían solos, dos clones de Kyo Kusanagi. El equipo japonés (o Hero Team) llegó a la batalla final que, para su sorpresa, se realizaría en una alcantarilla. El túnel de la alcantarilla en realidad era un elevador que llevaba hacia un extraño cuarto subterráneo, mientras el equipo descendía, Heidern, líder de los Ikari Warrios descubre señales extrañas que vienen de todo el mundo, estas señales provienen de millones de clones de Kyo Kusanagi escondidos, Heidern traza el origen de las señales hasta el mismo lugar donde se encuentran ellos.
Son recibidos por Krizalid en una habitación oscura y comienza la batalla entre ellos. Krizalid es tirado al piso por Benimaru, en ese momento explica sus intenciones; el tomó a Kyo Kusanagi, inconsciente después de su batalla contra Orochi y usó su ADN para clonarlo, pero el Kyo real logró escapar. Krizalid patrocinó el torneo King Of Fighters para encontrar poderosos luchadores cuyos "datos de combate" pudieran ser incluidos en sus clones, para usarlos para derrocar a los gobiernos de todo el mundo, cosa que hizo mientras luchaba contra ellos, revelando también que K' es un clon. Mientras tanto, Heidern ordena a sus soldados que detengan la invasión de clones de Kyo.
La batalla entre Krizalid y el equipo va mal, Shingo y Benimaru son dejados inconscientes y K' y Maxima usan lo último de sus fuerzas en un inútil ataque final que parece derrotar a Krizalid. Todo parece perdido y Krizalid se prepara para matar a los cuatro, pero son salvados por el regreso del verdadero Kyo Kusanagi quien derrota a Krizalid. Todos son cegados por una luz brillante y una voz imponente reta a Krizalid por su falla y tira una roca sobre él, atrapándolo o posiblemente matándolo, la voz dice ser del cuartel NESTS y luego la base subterránea empieza a derrumbarse, K' intenta luchar contra Kyo pero es detenido cuando el equipo es separado de Kyo por una puerta de acero y tienen que escapar. Mientras la base continua derrumbándose Kyo siente la presencia de su antiguo rival Iori Yagami y los dos empiezan a luchar mientras todo se derrumba a su alrededor.

Andrew Lloyd Webber - The Phantom of the Opera Soundtrack

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Disco 1 Disco 2

La inevitable comparación entre la versión teatral y esta nueva entrega cinematográfica -en lo que concierne a la misma música y las mismas canciones- perjudica a esta última. Efectivamente, las canciones y la música son las mismas (salvo unos nuevos temas), pero las voces cambian, y sustancialmente a peor. Ninguna tiene la fuerza o el ímpetu de los intérpretes teatrales y tampoco son singularmente relevantes, ni tan solo excluyendo el maravilloso precedente.

Reseña extraida de: http://www.mundobso.com/es/verbandasonora.php?id=5122

John Corigliano - The Red Violin - Soundtrack

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Partitura de amplia variedad temática y dramática, que sigue musicalmente los cambios históricos y también geográficos del violín protagonista del filme, adecuando la música en función del lugar donde transcurre la acción. La música viaja con el violín y, a pesar de las transformaciones que provoca el que esté en Viena, Oxford, China o Montréal (con los consiguientes cambios de estilo: barroco, clasicismo, romanticismo...), la esencia sigue siendo la misma.La música tiene un protagonismo absoluto en el filme, no sólo por la importancia del violín en el argumento, sino porque marca los estados anímicos y dramáticos de aquellos que lo tocan. El compositor da vida propia al instrumento, escribiendo un tema que hace las veces de referencia directa, como si el violín hablase a los personajes. Con este recurso, el instrumento cobra vida plena, ya que ese tema evoluciona en función de las diversas situaciones.La multitud de registros y estilos que se emplean en la partitura obligó al compositor a escribir mucha y muy variada música, incluso antes del rodaje, ya que parte de ella es interpretada ante las cámaras. Además, el compositor exigió elaborar una pieza de concierto, creada a partir del material compuesto para la película, cuyo título es “The Red Violin, Chaconne for Violín and Orquesta”, y que se ha estrenado en salas de concierto de todo el mundo. El concertista que ha grabado la parte solista en la banda sonora es el prestigioso violinista Joshua Bell.

Reseña Extraida de: http://www.mundobso.com/es/verbandasonora.php?id=612

V.A. - Sin City Soundtrack

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Banda sonora coescrita por el propio Robert Rodriguez y por Graeme Revell, que busca en su diversidad estilística una impresión de caos y desorden, logrado sin embargo de modo muy coherente, especialmente gracias a la solvencia de un tema principal (de Rodriguez) que vertebra el resto de la banda sonora. Se aplica jazz, música electrónica, temas de acción y dramáticos.

Reseña Extraida de: http://www.mundobso.com/es/verbandasonora.php?id=5364

Jon Brion - Punch & Drunk Love Soundtrack

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Cuando el éxito de Magnolia todavía estaba reciente, Paul Thomas Anderson sorprendió a propios y extraños anunciando que su próxima película iba a ser una comedia ligera de no más de hora y media protagonizada por Adam Sandler y Emily Watson. Esa afirmación, que parece estar hecha a cachondeo (echando un vistazo a la carrera anterior de Anderson), se transformó en realidad con Punch Drunk Love, una historia que rompe totalmente con la épica narrativa a la que PTA nos tenía acostumbrados y que sirvió (además de para hacerle merecedor del premio a la mejor dirección en Cannes 2002) para dar a conocer al mundo una faceta actoral de Adam Sandler digerible. Para el famoso cómico estadounidense, Punch Drunk Love ha sido como El Show de Truman fue en su dia para Jim Carrey.
Inspirada en un personaje real que descubrió cómo transformar en lucrativa una promoción de cupones para acumular millas para viajeros frecuentes, la película cuenta la historia de Barry Eagan, un hombre de negocios con un trastorno mental que le hace cambiar a una conducta agresiva con facilidad, cuya vida se ve alterada por la llegada de una mujer, un harmonio (instrumento musical que encuentra en la calle) y una desafortunada llamada a un teléfono erótico que provocará que se vea perseguido por unos delincuentes que le reclaman dinero.

La música viene a cargo del gran Jon Brion, uno de los pocos genios del pop que quedan en el panorama actual. Brion demostró en Magnolia que no se amilanaba ante la idea de crear todo un score imponente con una orquesta enorme, pese a no haber trabajado nunca con orquestas (la ayuda de Thomas Pasatieri en ese punto fue indispensable). Sin embargo en Punch Drunk Love (donde Pasatieri aparece acreditado como "Music Consultant") la orquesta ve reducido su protagonismo, al igual que el conjunto de la música. La utilización es mucho más discreta que en Magnolia, pese a que sigue teniendo una importancia notable.
Podemos dividir la música en dos bloques. Por un lado tenemos una masa que representa las escenas frenéticas, donde a menudo se pone de manifiesto la locura del protagonista. Esa música nerviosa está construida a base de percusión e instrumentos extraños, como un piano preparado (que consiste en alterar el sonido de las teclas por medio de colocar objetos sobre las cuerdas -por ejemplo tornillos-). El mejor ejemplo lo encontramos en la escena donde todos los personajes coinciden en el almacén de Barry (el tema "Hands and Feet") donde el frenesí se desata con continuas llamadas de teléfono y distintos personajes entrando y saliendo. Ese tema fue compuesto por Brion antes de rodar la escena, y el director lo reprodujo en el set para que los actores tomaran nota de la sensación que quería transmitir el momento. Prueba superada. Una música experimental que no es especialmente disfrutable para escuchar sentado en el sillón de casa con el reproductor de CD, pero la comicidad y el ritmo de la escena se ven claramente beneficiados por el tono de la música. El sonido se ata a los personajes de una manera sorprendente, como el detalle de hacer redoblar un tambor de lata cada vez que la hermana de Barry camina hacia él con aspecto decidido.
El otro gran bloque es el romántico. El hallazgo de un Harmonio abandonado en la calle parece ser una especie de punto de partida para el comienzo de la historia romántica.
El Harmonio es un instrumento parecido a un piano pero mucho más pequeño, con un mecanismo de fuelles que le hacen sonar de un modo similar a un acordeón. Cuando Barry lo coloca en su oficina y toca una melodía, lo que toca es la melodía "Punch Drunk", que es la melodía que Jon Brion utiliza para desarrollar el tema de amor (a su vez tema principal de la película). Al final del film, el personaje de Barry vuelve a tocar el instrumento acoplándose a la perfección al score que suena de fondo. Una melodía elegante y romántica que bien podría pertenecer a un musical de la época dorada de Hollywood (no en vano se rumoreó en un principio que Punch Drunk Love iba a ser un musical, lo que no hubiera sido del todo fallido). Esta melodía se desarrolla un momento en la primera transición "de colorines" al principio de la película, pero no comienza a tomar una forma más definida hasta que se nos presenta como tema de amor por primera vez (corte "Le Petit Chateau", cuando los protagonistas salen de cenar en el restaurante). La música es lírica y en cierto modo cursi y exagerada (a propósito).
Existe una anécdota al respecto. Cuando estaban grabando la música de la escena donde se besan, PTA le pedía a Jon Brion que la música sonara más alta, lírica y emocionada, y Brion se echaba a reir advirtiendo que iba a sonar ridículo, cursi y desproporcionado, a lo que PTA asentía y comentaba que era esa su intención.
Y así es la parte romántica de Punch Drunk Love. Una música que no hubiera desentonado en una comedia de la edad de oro de Hollywood, una dulce melodía muy retentiva y orquestada de un modo luminoso y lujurioso que se hace agradable incluso fuera del contexto del film. Si alguien está pensando en comprar el disco sin haber visto la película, seguro que las partes orquestales no le van a decepcionar, aunque quizá necesite verla para apreciar en su totalidad el resto de música más "experimental".
Quiero comentar dos cosas antes de finalizar. La primera es que el tema principal que Harry Nilsson compuso para el "Popeye" de Robert Altman es aquí reutilizado como un tema de amor secundario. La canción cantada por Shelley Duvall "He Needs Me" (voz interior del personaje de Lena?) narra su encuentro en Hawaii y se adapta tan bien a la historia que parece estar expresamente escrita para esta película. El tema se ve versionado de manera instrumental por nuestro compositor para los créditos finales y algún pequeño inserto en la escena de Hawaii, bajo el nombre "He Really Needs Me".
Luego: hay en el disco una canción de Jon Brion cantada por él mismo llamada "Here we go". Brion demuestra que todavía queda gente en este mundo que componga canciones estupendas de una forma genuina, sentados al piano. La sorpresa viene cuando esa canción no aparece por ningún lado en el film. Se ha elucubrado mucho al respecto y la verdad es que fijandose en la letra y pensando en la película, casi parece lógico que la canción estuviera planeada para sonar en los créditos finales. Nadie sabe por qué no ha sido así y algunos fans acérrimos rumorean que PTA y Brion dejaron la canción fuera de mutuo acuerdo porque se temían que si la película era un éxito de taquilla, Brion y su canción iban a entrar de cabeza en el star-system de la música, y el tranquilo y acogedor ambiente de sus noches en el Club Largo se iba a acabar para verse sustituido por giras intercontinentales, videos en la MTV y autógrafos firmados en la piel.
Cierto que esa excusa parece inventada sobre la marcha y ciertamente cogida por los pelos, pero da igual. El caso es que Jon Brion demuestra con su score que ya está más que asentado en el star system particular de los oyentes con cabeza y buen gusto. Y su canción le da sopas con honda a las de la mayoría de gente que está en el "otro" star system, así que os voy a pedir un favor: primero de todo haceros con el DVD de esta genial locura de PTA, y cuando hayais reido y disfrutado con la historia, meted el disco de Jon Brion en vuestro reproductor. Os garantizo que no va a salir de ahí en una buena temporada. Lo Mejor: Que Brion crea temas y canciones memorables sin despeinarse, y que con la reciente "Eternal Sunshine of the spotless mind" y la futura "I Heart Huckabee", parece que comienza a prodigarse mucho más en el cine.
Lo Peor: No se me ocurre nada.
El momento: "Blossoms and Blood" (cuando la orquesta sube tan cursi).
Rubén Sánchez

Reseña Extraida de: http://www.bsospirit.com/comentarios/punchdrunklove.php

Karera Musication - Koroshiya Ichi 1 (Ichi The Killer) Soundtrack

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Al igual que la película el disco calca la extravagancia de la cinta con temas instrumentales muy bizarros.

Los encargados en hacer el soundtrack de la ya de por sí excelente Ichi The Killer son ni nada más que los Boredoms, solo que acá se llaman Karera Musication.
Cuenta la leyenda que para el score de la película, el único que no participó en este trabajo es el vocalista/tornamesista/genio salvaje o whatever Yamatsuka Eye, dejando a Yoshimi, Seiichi Yamamoto (quién a parte producjo esto), Hila y ATR hicieran lo suyo en onda casi instrumental. Al final, obtenemos algo muy Boredoms post-1998, menos esquizofrénico y absurdo, y más percusivo, total y atmosférico; aunque el score termina siendo algo corto, la música logra darnos su cometido, siendo formado por piezas que musicalizan escenas así como cosas que puedes poner de fondo y poder escuchar más a detalle si le trepas un poco el volúmen.Algo raro de esto es que, en los créditos al final de la película, cuando mencionan a Karera Musication, mencionan a Eye como uno de los integrantes de la banda, pero en todos las demás evidencias muestran que Yamantaka no participó. Como mucho de los Boredoms, esto queda en misterio.
Reseña extraida de: http://oscilador.blogspot.com/2009/11/album-rareza-bajar-karera-musication.html

V.A. - Lost in Translation Soundtrack

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Este Soundtrack Contiene una colección de canciones que se mueven entre el post-rock (Death in Vegas, The Jesus & Mary Chain), el shoegaze (Kevin Shields y My Bloody Valentine), la electrónica más ambiental (Sebastian Tellier, Squarepusher, Air), con una pequeña concesión a JPop (はっぴいえんど, aka Happy End) y otra a la electrónica más bailable (Phoenix, el grupo del padre de su hija).En resumen, un genial trabajo de Brian Reitzell y Kevin Shields que captura perfectamente el ambiente de una de mis películas favoritas que además consigue encajar la selección musical con las composiciones originales para la película.Se agradece la curiosidad de que incluya la versión de More than this (de Roxy Music) cantada por Bill Murray, una canción que resume los sentimientos y la relación de Charlotte y Bob...

Reseña Extraida de: http://paisajesmusicales.blogspot.com/2007/01/lost-in-translation-music-from-motion.html

V.A. - In The Mood for Love Soundtrack

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La Música corre alrededor de todo el mapa, desde Nat King Cole hasta una selección de hits chinos. Wai trata de combinar la ecléctica naturaleza del lugar que habitan sus personajes. El tema que marca el Leitmotiv, se repite constantemente, para demostrar la redundancia y la melancolía en la existencia de los personajes. La música engancha las necesidades del film y no las resalta.

Joseph Lo Duca - Evil Dead Soundtrack

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Sam Raimi, con tan poco presupuesto como puede tener un mero estudiante universitario de inglés, dispuesto a demostrar su interés por el cine, y a remodelarlo de arriba a abajo, pensó en una historia no demasiado original, donde un grupo de excursionistas se aventuraban a las interioridades de un bosque americano, con no demasiadas buenas vibraciones (algo parecido a Psicosis, pero con un desarrollo totalmente diferente). Allí se encontrarían una cabañita, desde luego no la de Pin y Pon, donde un columpio exterior les daba los buenos días de forma un tanto alucinógena. Lo que pasaría después pertenece a la leyenda del género de terror, una película hecha con cuatro duros, durante más de cuatro años (por problemas presupuestarios), por la que más de medio mundo no pudo conciliar el sueño, y que tuvo un comienzo realmente duro para su distribución. Nadie quiso comprar la película para distribuirla, pero un día, en esos certámenes de cine de terror tan abundantes por la geografía terrestre, la película se presentó con la ovación unánime del publico, pero sin tener un distribuidor en toda regla. Qué bueno que el señor Stephen King estaba por allí, y se quedó tan sumamente petrificado por lo visto que quiso conocer de inmediato al director. Raimi le comentó que no podían distribuir la película porque nadie se ofrecía para ello. Y hablando de ofrecimientos King se mostró interesado en darle una frase suya al joven director para promocionar esa magnífica obra de locos. Una vez con la frase en el póster, Raimi consiguió la distribución tantas veces buscada (lo que hace una mera frase según de la boca de la que surja...), y triunfó allí donde pisó, convirtiendo su película en una obra de culto nada más exhibida. La continuación a la historia la dejamos para la critica de Evil Dead 2.
Así Raimi encontró a LoDuca, que posteriormente trabajaría con él en la trilogía y en otros proyectos (pero ya no en relación director/compositor, más que casi lo consigan en Spiderman, en contra de la opinión de los productores) mantienen una relación de complicidad claramente visible en todo lo que hacen, algo que se echa en falta en determinadas relaciones creativas.
Evil Dead comienza con un tema a piano, "Introduction", para nada romántico. Es la utilización de un instrumento tan bello para desencadenar cierto desasosiego algo que impera durante toda la partitura, salvo por una excepción, el segundo tema "Eyes Games/Charm", que es cuando nuestro protagonista Ash le regala a su novia el colgante que posteriormente traerá cola. Aunque es el tema más romántico, es cierto que cierto malestar se puede llegar a palpar, muestra inequívoca de lo que nos depara el malvado Sam Raimi.
Y bueno, con "Bridge Out", el tercer tema, ya empezamos a pasarlo un poquito mal. Todo a base de piano, y alguna nota sacada de un violín atormentado. Por primera vez encontramos el uso del sintetizador, algo que nos extrañaba no oír con anterioridad, dado el bajo presupuesto de la cinta, y sobre todo por pertenecer la cinta a la década de los ochenta.
"Rape of the Vines" es la parte de la película más recordada por todos, supongo que por esa naturaleza morbosa y maliciosa del ser humano. Aquí se produce una violación de uno de los personajes a manos del... ¡¡Bosque¡¡ LoDuca economiza sonidos y sólo describe tan desagradable situación con el sonido de cuerdas buscando esa tonalidad extremadamente aguda que tan bien queda en las pelis de terror. A partir de aquí, los sonidos de sintetizador toman las riendas como es el caso de "Ascent/Inflection", que realmente saca de quicio, fusionándose con los momentos más decididamente desquiciantes, conseguidos por las cuerdas, que parecen estar poseídas por un músico con el Mal de Parkinson. Ya en el tema 7, "Skin", aparece un tema de terror decididamente perturbador y con una estructura definida (alejado de la atonía de las cuerdas de temas anteriores).
Y bueno, a partir de aquí, el señor Raimi dejó que la película rodara por una cuesta encrespada, hacia abajo y sin frenos. Así que a partir de aquí participamos de una locura de la que es partícipe Ash.
Así aparece de nuevo el tema de amor en "Love Never Dies", pero con una clara distinción del tema segundo del compacto. El sintetizador es un claro protagonista, y el lado romántico se vuelve desesperanzador y atormentado, para dar paso a una atmósfera enrarecida. Es la decisión de Ash de decapitar o no a su novia (qué extraño amor, la verdad).
Un tema que me pone de los nervios es "Dawn of the Evil Dead", con una mezcolanza de sonidos que realmente pone los pelos de punta. Aquí aparece parte de percusión, que no aparecía en temas anteriores, y está claro que vivimos un sueño totalmente loco, donde nos encontramos en el centro de la mente psicótica de LoDuca.
Luego nos encontramos un tema que hace referencia a una película muy famosa de un director de culto. No es otra que "Psicosis", y el tema es "Not The Shower Curtain". Aquí uno de los protagonistas mantiene nuestra atención y nuestra tensión, al buscar el ser maligno detrás de una cortina de ducha. LoDuca simplemente mantiene la tensión con una economía de sonidos, sin en ningún momento sorprendernos con una súbita subida de los mismos. El tema 15, "Get the Lantern/ Book of The Dead", simplemente es uno de los más importantes momentos de la película, tanto a nivel de dirección, como argumentalmente, ya que Ash encuentra el Libro de los muertos. A nivel musical LoDuca no ejerce demasiado protagonismo, situándose de nuevo por debajo de las imágenes con un uso reiterativo de las cuerdas.
En Dawn/ Incantation, LoDuca crea un tema alejado del conjunto, muy tranquilo en un primer momento, con cierto aire de esperanza, para romperlo de forma abrupta en su ultima parte, por medio de un sintetizador cuanto menos desagradable.
Finalmente el CD termina con The Cabin/Wounded Melody, con el uso protagonista del piano en un primer momento, y claramente de las cuerdas posteriormente, en esa característica atonía que impera los momentos más terroríficos.
En definitiva, el trabajo de LoDuca para la primera parte de Evil Dead, es sumamente semejante al resultado de las imágenes, un viaje por la locura más insana, por esa soledad terrorífica ante seres que no podemos describir, y sencillamente un viaje musical por un universo desgarrador del que Raimi se erige como Rey de los locos. LoDuca crea una de las partituras más desgarradoramente insanas de cuantas he oído para el cine.
Lo Mejor: Lo mal que lo pasas escuchando la partitura, con momentos realmente de ponerte los pelos de punta.
Lo Peor: La falta de medios para llevarla acabo, aunque tal vez eso juegue también a su favor.
El Momento: Introduction.
DDBSpawn

Reseña Extraida de: http://www.bsospirit.com/comentarios/evildead.php

V.A - Closer - Soundtrack

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01. The Blower's Daughter

02. Samba Da Bencao

03. Soave sia il vento

04. Bella vita militar!

05. How Soon Is Now?

06. Tanto Tempo

07. Cold Water

08. Dark Escape

09. Smack My Bitch Up

10. Eccovi il medico, signore belle!

11. Dammi un bacio, o mio tesoro

12. World Outside

13. Mais Feliz

14. La Cenerentola (Overture)

15. The Blower's Daughter (Acoustic)

Masamichi Amano - Battle Royale Soundtrack

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El compositor encargado de poner música a este percal es Masamichi Amano (que también pondría música a la secuela en el 2003), entre cuyos trabajos destaca su relación con la saga de anime Urotsukidoji. Debemos partir de que hasta la fecha tan sólo existen de esta banda sonora dos ediciones, una japonesa y otra francesa, aunque eso sí, tan sólo varía entre las mismas las portadas, pues el contenido parece ser el mismo. Pero aparte de la música original creada por Amano, destaca, tanto en la película como en la banda sonora el uso de ciertas piezas de música clásica. Así, tal y como podéis comprobar en el tracklist, tenemos en el disco pequeños fragmentos de piezas de compositores clásicos tan conocidos como Verdi, Strauss, Schubert y Bach. En la película se usa esta música principalmente en las escenas en las que Kitano (el personaje de Kitano en la película se apellida Kitano... una curiosa autoparodia) anuncia por megafonía para toda la isla los alumnos que van muriendo. Sin duda el hecho de usar estas bellas piezas de música clásica junto al momento en que los jóvenes protagonistas reciben la terrible noticia del fallecimiento de algunos de sus compañeros genera un curioso contraste entre belleza y brutalidad, entre regalo y castigo. Es sin duda una de las genialidades de la película.
Pero no todas las piezas de música clásica se usan en este sentido. Así, la película, arranca ya desde el logo de la distribuidora con un arrebatador tema coral del Réquiem de Giuseppe Verdi, para que desde el inicio capte el espectador la magnitud (quizás exageradamente) de la historia. Además en este caso se conecta directamente con el score de Amano, tal y como podemos escuchar en el primer corte del disco, "Réquiem - Prologue". Destaca de este primer corte que funciona casi a modo de suite, pues pese a no recoger todos los temas de la banda sonora sí muestra los distintos estilos que se contienen en la misma.
Es digna de mención la variedad contenida en este trabajo, pues nos ofrece estupendos temas de acción, aderezados con algunos coros, junto a otros temas más dramáticos e incluso algunos que tienden más al terror. Entre los temas de acción podemos destacar el contenido en el corte "Commencement du Jeu", con un estilo y un ritmo más que parecido al que podemos disfrutar en el tema "Vampire Hunters" de Drácula (Wojciech Kilar, 1992). Este tema acompaña al momento en que los distintos alumnos van siendo nombrados por Kitano para recoger su "mochila de combate" y entrar en el juego, de tal forma que los protagonistas van saliendo uno a uno al ritmo amenazante de la música. Hay que destacar el magnífico uso que hace Masamichi Amano de la orquesta, ofreciéndonos algunos temas realmente frenéticos cuya misión es exagerar el dantesco espectáculo al que asistimos en pantalla.
Entre los momentos dramáticos destaca el bello tema de amor de la pareja protagonista, que podemos escuchar en varias ocasiones a lo largo de la partitura, destacando la hermosa versión que se contiene en el corte "Amère Victorie". También destaca en este aspecto el último de los temas, "Nouveau Départ en Voyage", con una música cargada de esperanza para cerrar la película a pesar de todo lo acontecido. Destaca en este último tema el uso de los coros, los cuales aparecen en momentos puntuales del score pero de manera tímida, dándonos la sensación de que es un recurso que el compositor podía haber explotado más.
Como algunas de las escenas de la película son algo macabras, Amano opta en algunos momentos por una música más cercana a una película de terror que de acción. Así, un ejemplo de esto lo podemos encontrar en cortes como "Ceux qui ont pris gout au Jeu et ceux qui ont abandonné", pasando la música además en ciertos momentos a adquirir un estilo más ambiental y funcional. En estos casos es cuando la banda sonora se resiente un poco en su escucha aislada. Otro tema que debemos destacar por contener una música desasogante y agobiante propia del género de terror es el arranque de "L'Attaque de Kiriyama".
En definitiva, un trabajo variado y complejo, que sabe acompañar más que correctamente a las imágenes, captando fielmente el estilo desenfadado, brutal y exagerado de la película. Quizás ciertas partes del score sean algo más irregulares, lo cual provoca que no sea un trabajo del todo redondo.
Lo mejor : lo bien que sabe captar Amano el espíritu de la película.
Lo peor : ciertas partes pueden hacerse pesadas en su escucha aislada.
Miguel del Chicca.

Reseña Extraida de: http://anime.bsospirit.com/musica/battleroyale.htm

Jon Brion & V.A. - Eternal Sunshine Of The Spotless Mind - Soundtrack

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Partitura deliberadamente caótica en la que se aborda, en forma de breves temas, música romántica, experimental y también dramática, con las que el compositor expresa la confusión y el desorden mental de los protagonistas. A medida que van reconstruyendo su relación, la música también va tomando forma hasta llegar a un bello final.

Reseña extraida de: http://www.mundobso.com/es/verbandasonora.php?id=5262

Joe Hisaishi - Dolls Soundtrack (2002)

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Breve y sentida creación en la que el compositor aplica el sintetizador y lo combina con un delicado piano para hacer elocuente un sentimiento de nostalgia contenida, a partir de una melodía destacada que le sirve de eje central. Destaca particularmente su tema final, en el que las voces dan un tono hermoso.

Reseña extraida de: http://www.mundobso.com/es/verbandasonora.php?id=3391

V.A. - Jürgen Knieper - Wings Of Desire Soundtrack

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La banda sonora de la agradable película El cielo sobre Berlín, fué compuesta por el excepcional Jürgen Knieper, el cual estudió con el compositor Schwarz-Schilling a principios de los 60. Fué compositor a su vez de películas de Wenders como Lisbon Story, El Estado de las cosas, La Letra escarlata o The Wrong Move.

Este disco fué producido en 1987 por la casa Nonesuch, encargada de producir entre otros a Brad Mehldau, Ali Farka-Thouré o a Bill Frisell .

El disco muestra a un Knieper en forma, dando muestras de una versatilidad excepcional, en momentos fusión, otros jazz, otros clásica, otros vanguardia. Con el agregado de algunas canciones de Nick Cave y otras en un intento de canto en la voz de Bruno Ganz.

Un disco que no dejará indiferente a nadie, y una película que animará a mas de uno.

Reseña extraida a medias de: http://musicaymusicosgonzalo.blogspot.com/2008/10/jrgen-knieper-wim-wenders.html

V.A. - Across The Universe - Soundtrack

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Disco 1

Disco 2

Parte 1 Parte 2

Across the Universe es una película musical, que encuentra en las letras de las canciones de los Beatles, la mejor manera de expresar la idea de reveldìa y desenfreno de una generación.

Las canciones son interpretadas casi en su mayorìa y de una manera exquisita por los mismos actores de la película.

The Tarantino Experience - V.A.

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Disco 1 Disco 2

The Tarantino Experience es un disco vibrante y mágico de comienzo a fin. Pleno de ese sonido tan particular que las películas del célebre director estadounidense popularizaron. The Tarantino Experience incluye perlas como Bang Bang a cargo de Nancy Sinatra (de Kill Bill), Girl, You´ll Be A Woman Soon interpretada por Urge Overkill y Misirlou de Dick Dale And The Del-Tones (ambas de Pulp Fiction) o Midnight Confessions de The Grass Roots (integra el soundtrack de Jackie Brown). The Tarantino Experience es un álbum con sonido a cine negro, un disco para crear imágenes con la mente.

V.A. - Funny People Soundtrack

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Funny Pele cuenta con una gran banda sonora Folk, con canciones interpretadas por artistas completamente ajenos al genero, a excepcion de algunos pocos y con la peculiaridar de ser versiones acústicas o en vivo. Destaca la versión del tema de Paul McCartney Real Love, interpretado por el mismisimo protagonista de la película, Adam Sandler.

Cesar Stroscio y su Trio Esquina - Tangos para Corto

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Tangos para el Corto Maltés aparentemente surgió de una idea aparecida en una noche etílica, que llevó a un encuentro con el notable historietista Hugo Pratt en el que se pergeñaron algunos temas inspirados en el comic y otros basados en sus gustos (reales o imaginados). La muerte de Pratt en 1998 dejó en alguna medida trunco el proyecto pero el disco salió finalmente en 2001 y ahora es también reeditado aquí. Los dos primeros temas, inspirados en los personajes del comic son el conmovedor Corto y Louise, con un magnífico solo de Stroscio y La senegalesa, que mezcla ritmos de la milonga y el candombe. Hay dos temas de Piazzolla, el conocido Decarísimo y el mucho menos transitado y notable El penúltimo, que parece gustaba mucho a Pratt. El resto son clásicos que –o bien eran del gusto del escritor o los integrantes del trío así lo suponían- y así nos podemos encontrar con excelentes versiones de Maipo y La cachila, de Eduardo Arolas, Ojos negros, de Vicente Greco y Mi refugio, de Juan Carlos Cobián entre otros, en los que el trío da sobradas muestras de su afiatamiento y permite grandes solos de Stroscio, sobre todo, pero también de Pino Enríquez, con la sólida base rítmica que proporciona Hubert Tissier. Otro disco excelente que, lamentablemente, es por ahora el último del trío que –cabe señalar- también ha hecho varias presentaciones aquí en vivo, en este caso con Ricardo Capria reemplazando a Tissier en el bajo. Jorge García.

Reseña extraida de: http://www.elamante.com/content/view/2247/66/

Adrian Laies Trio - Esa Sonrisa es un Santo Remedio

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Parte 1 Parte 2 Parte 3 Parte 4 Parte 5

Dentro del amplio panorama de pianistas que ofrece la música local, tanto en sus vertientes tanguísticas, folclóricas y/o jazzísticas la figura de Adrián Iaies se destaca como la más ecléctica e inclasificable. Intérprete de depurada técnica, prolífico compositor, arreglador y autor de músicas para películas, a través de una ya bastante profusa discografía no solo ha logrado instalarse de manera definitiva en el ámbito de la música nacional como uno de sus intérpretes más personales y completos, sino que también ha conseguido un amplio reconocimiento internacional expresado en las constantes invitaciones a recitales fuera del país. Su amplio dominio del instrumento le permite lucirse no solo como solista (una de sus vertientes más interesantes) sino también como director de diferentes formaciones. Si en sus primeros discos la idea predominante era la interpretación de tangos clásicos con un concepto jazzero –aunque también se intercalaban temas propios- a partir de su notable álbum triple Solo y bien acompañado se nota un regreso a las fuentes más ligadas a su primer amor, el jazz (no casualmente es director del Festival de Jazz de Buenos Aires y dirigió el sello S-Music, el mejor dedicado al jazz nacional) algo que se acentúa en este último trabajo. Acompañado por el sobrio y expresivo contrabajo de Ezequiel Dutil y con el sólido aporte en la batería de esa auténtica máquina de crear ritmo que es Pepi Taveira, el pianista ofrece un variado repertorio en el que –una vez más- hay que destacar la constante inspiración melódica, el apasionado lirismo de sus baladas y el swing que impregna cada una de sus interpretaciones. Así se pueden destacar su brillante cadenza en TMI, tema que da comienzo al disco, su manejo de los tiempos lentos en Lezama y el bello tema que da nombre al CD y el poderoso swing de Uno corto, uno largo y (jugando con los nombres de dos de sus pianistas admirados) Red Kelly & Winton Garland at Lopretes House. Pero sobre todo quiero resaltar –ratificando el eclecticismo al que hacía mención en el comienzo de la nota- su formidable versión de Just the Way You Are, el gran hit de Billy Paul, su apabullante interpretación de Loca bohemia, uno de los geniales tangos de Francisco De Caro, su poético acercamiento a un tema tan transitado como Alfonsina y el mar, en el que cuenta con la brillante participación en acordeón de Raul Barboza y –como adecuada conclusión de este excelente disco- su sentida versión en piano solo de Cuando ya me empiece a quedar solo, de Charly García. En suma, una placa que confirma el talento de Adrián Iaies y nos hace aguardar con expectativa su(s) próximo(s) trabajo(s). Jorge García.

Reseña extraida de: http://www.elamante.com/content/view/2220/66/

Wes - Welenga

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Parte 1 Parte 2

Wes Madiko, un fornido camerunés, es el último griot de una tribu que se extingue. Poeta y músico, médico y profeta, ha acumulado las enseñanzas orales de su gente y le preocupa la pérdida en el olvido de toda la compleja tradición banfú.Pero el azar hizo que Madiko conociera en una tienda de discos de la ciudad francesa de Lille a Michel Sánchez, el músico y compositor del grupo Deep Forest.Esos ancestrales cantos despertaron en Sánchez el interés de hacer juntos un experimento. Las poéticas letras de Madiko son la base de Welenga, un disco con viejos aires africanos y un sonido totalmente contemporáneo que se ha situado en los primeros lugares de las listas de éxito francesas.Madiko cree en las propiedades terapéuticas de la música. "La música puede tener efectos terapéuticos", dice. "Cura a la gente que tiene enfermedades del alma. La música equilibra la mente"."Hay una tradición ancestral de sanación a través de la música en ciertas tribus africanas. Nosotros, los banfú, también lo hacemos.No puedes cantar simplemente una canción. Hay que interpretar su conflicto, y en ocasiones lloras desconsoladamente. No sabes la razón, sólo que has logrado una comunicación íntima con su espíritu".

Fuente El Pais.

Lus Salinas - Salinas

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Parte 1 Parte 2

Luis Salinas - Sólo Guitarra

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Luis Salinas es un guitarrista y compositor nacido el 24 de junio de 1957, en Monte Grande, al sur de Buenos Aires, Argentina.
La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde muy pequeño, “el gusto por tocar todos los géneros viene de ahí”, explicó. Pese a haber comprado su primera guitarra a los 27 años, esta pasión venía desde la cuna. El lugar que marcaría un antes y un después en su carrera fue “El papagayo”, célebre pub, donde tocó durante ocho años. Es un músico autodidacta, el cual no estudió en ningún conservatorio, gran improvisador, de original capacidad interpretativa. Compartió experiencias con varios grandes del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán. También tocó con Egle Martin, Jaime Torres y grabó un disco de tango con María Graña. Lleva grabados nueve discos, entre ellos, “Música Argentina 1 y 2” donde tocando la guitarra criolla hizo un recorrido por el folklore y el tango, “Ahí va”, por el que recibió su segundo premio Gardel, en el cual vuelve al sonido eléctrico del latín jazz. "Luis Salinas y amigos en España", se grabó en 2004 en Barcelona junto a músicos de la calidad de Tomatito, Horacio Fumero, Oscar Giunta, Javier Colina, Jorge Bonell, Jorge Pardo y Perico Sambeat entre otros. En mayo de 2006 presentó su cd doble, "Muchas cosas". Durante su carrera tocó con grandes guitarristas como el mismísimo B.B. King y músicos de la talla de Hermeto Pascoal.

V.A - Velvet Goldmine Soundtrack

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Esta banda sonora fue coordinada por Michael Stipe y cuenta con varias canciones clásicas del Glam Rock, algunas en su versión original y otras versionadas por artistas coetáneos a la película. Además de los grupos ya conocidos, se formaron dos supergrupos ex profeso para grabar esta banda sonora, integrados por primeras figuras de la música alternativa:
Wylde Rattz: Con Mark Arm de "Mudhoney"; Ron Asheton de "The Stooges"; Thurston Moore y Steve Shelley de "Sonic Youth"; Mike Watt de "Minutemen" y Don Fleming de "Gumball".
The Venus In Furs: Thom Yorke y Jon Greenwood de "Radiohead;" Andy McKay de "Roxy Music"; Bernard Butler de "Suede" y Paul Kimble de "Grant Lee Buffalo".

Tenchi Muyo Soundtrack

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Version en Inglés

Version en Japones

Tenchi Muyo - Ova Best, Vol 1 y 2

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Vol. 1 Vol. 2

Tenchi Muyō! (天地無用!, Tenchi Muyō!?), es una serie de anime, manga y novelas ligeras, creada por Kajishima Masaki y Hiroshi Hayashi, acerca de joven llamado Tenchi Masaki, la cual tuvo tanto exito que se convirtio en una franquicia. Y de acuerdo con Moldiver, Tenchi Muyō es uno de los primeros éxitos para AIC, que ha realizado series como El Hazard, Battle Athletes, Oh My Goddess!, Dual! Parallel Trouble Adventure, teniendo a Kajishima Masaki, como el artista principal detrás de la serie. Además de eso, introduce y es pionera del concepto del harem anime, que consiste en un hombre sin muchos talentos, junto a mujeres muy alocadas y distintas entre sí. Muy popular, actualmente, con series como Love Hina y Rosario + Vampire.
Generalmente, la traducción de Tenchi Muyō sería No Need For Tenchi, que a su vez seria No Heaven and Earth, en español, Sin Cielo ni Tierra.
La serie original (Tenchi Muyō! Ryo-Ōki), tuvo seis episodios de tipo OVA, siendo lanzada en Japón en los años 1991 y 1992. Fue tal su popularidad que fue creado un séptimo episodio (conocido como el Especial de Tenchi), y un capítulo solitario denominado Mihoshi Special. En 1994, un segundo OVA fue creado y publicado, presentando los capítulos 8 al 13. Desde el 2003 al 2006, una tercera serie de OVA han silo lanzados, con los episodios 14 al 19, centrándose en la historia de las tres diosas introducidas en el segundo OVA. Además de que posteriormente, continua con un vigesimo episodio. Con el cuál, por el momento, finaliza la serie.

Ryuichi Sakamoto - Gohatto Soundtrack

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El compositor participa musicalmente con una postura deliberadamente ambigüa, en la que recrea melódicamente un entorno que es casi bucólico para, desde esa posición, ir ahondando en las zonas más oscuras y siniestras de la condición humana. Es a ratos críptico y en otros momentos muy dramático, pero su creación resulta, en el fondo, un hermoso y poético canto a la libertad.

Reseña extraida de: http://www.mundobso.com/es/verbandasonora.php?id=3320

Hilmar Örn Hilmarsson - Dust to Dust

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Hilmar Örn Hilmarsson - Children Of Nature

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Hilmar Örn Hilmarsson (Reikiavik, Islandia, 23 de abril de 1958), también conocido como HÖH, músico, director de arte y allsherjargoði (jefe goði) de la Íslenska Ásatrúarfélagið (Asociación Islandesa Ásatrú).
Hilmar Örn Hilmarsson fue un pionero en el uso de computadoras para la composición musical y abrió el camino para nuevas ideas en grabación y arreglos. Ha trabajado en proyectos ambiciosos, experimentales y originales con varios artistas como Psychic TV, Current 93, Sigur Rós, Steindór Andersen y Eivør Pálsdóttir.

Desde 1981 en adelante, Hilmar Örn Hilmarsson ha compuesto música para varias películas, tanto islandesas como extranjeras y ha trabajado con directores de cine como Henning Carlsen (Pan, 1995), Jane Campion (In the Cut, 2003) y Friðrik Þór Friðriksson (Brennu-Njálssaga, 1981 - Skytturnar, 1987 - Börn Náttúrunnar, 1991 - Bíódagar, 1994 - Cold Fever, 1995 - Djöflaeyjan, 1996 - Englar Alheimsins, 2000 y Fálkar, 2002).
Hilmar Örn ha recibido varios premios por su contribución como compositor de bandas sonoras. En 1993 ganó el premio al Compositor Fílmico Europeo del Año por su trabajo en la película nominada al Oscar Children of Nature, de Friðriksson.

Edith Piaf - The Voice Of The Sparrow

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Nació el 19 de diciembre de 1915 en el patio de la comisaría del barrio Belleville, de París. Hija de un acróbata y de la italiana Line Margrant, cantante de cafés, que estaba borracha y drogada cuando sintió los dolores de parto. Salió a la calle y la encontraron sus vecinos tirada y balbuceante. Trabajó en la compañía de su padre hasta que la dejaron al cuidado de la abuela para dedicarse a sus giras por los pueblos de la campiña francesa. Su abuela Clarissa la crió con vino en lugar de agua, pues decía que ésta era "mala" para el cuerpo; su tía, quien vivía con ella, dirigía un burdel. No hablaba, no se reía, no caminaba y encima tuvo una meningitis que la dejó ciega. El único gesto amoroso de la abuela fue llevarla a la Iglesia de Santa Teresita de Lisieux y encomendársela a la virgen. Dicen que un milagro le devolvió la vista. Con 15 años se trasladó a París, donde se ganaba la vida como cantante en la calle y en cafés. En el año 1935 fue descubierta por el propietario de un cabaret que la bautizó con el nombre de la Môme Piaf (el pequeño gorrión). A los 16 años queda embarazada y tiene una niña que muere a los dos años de meningitis. Su potente voz y su expresivo estilo al interpretar canciones como "Je ne regrette rien" y "La vie en rose" le dieron fama. Actuó en películas, comedias y operetas. Realizó giras por Europa, Sudamérica y Estados Unidos. Tuvo relaciones amorosas con grandes celebridades como Charles Aznavour, Ives Montand y Jaques Pills, con quien se casa. Se traslada a Nueva York y su éxito crece. Fue muy amiga de Marlene Dietrich. Enamorada del boxeador Marcel Cerdan vive con él una apasionada relación durante dos años; la muerte del púgil en un accidente de aviación destroza a Edith; recurre al alcohol y a los calmantes para poder seguir cantando. En 1962, cuando se acerca a la cincuentena, se casa con un muchacho de 27 años. Ganó millones durante su carrera, aunque murió en la ruina, víctima de la morfina a la que se había habituado. Falleció el 11 de octubre de 1963. Cuarenta mil personas caminaron en silencio por París hasta su tumba en el cementerio de Père Lachaise. En 1958 se publicaron sus memorias con el título de Au bal de la chance.

Este es un disco recopilatorio de sus mejores interpretaciones.

Reseña extraida de: http://buscabiografias.com/cgi-bin/verbio.cgi?id=5076

Mercedes Sosa - Gestos De Amor

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En 1990 apareció un disco titulado "Mercedes Sosa en vivo en Europa", participó en el filme "Verano del potro", interpretando el tema "Siempre en ti". Actuó en Australia, Grecia, Holanda, Alemania, Luxemburgo, Suiza, Francia y Brasil y además protagonizó inolvidables noches en el Luna Park con actores y un numeroso grupo de cantantes invitados. En diciembre, cerró el año con dos actuaciones a sala repleta en el Gran Rex, dentro del ciclo "Creativa 90", también acompañada por muchos músicos invitados. Con el registro de esas noches, se editó "De mí", aparecido en noviembre del año siguiente.
El 20 de diciembre de 1991, luego de casi diez años de no cantar en un estadio abierto, Mercedes se reencontró con la multitud en Ferro Carril Oeste. La acompañaron Fito Páez, Julia Zenko, Nito Mestre, Piero, Celeste Carballo, los Illya Kuryaki, León Gieco, Charly García, Víctor Heredia, Mariano Mores, Facundo Ramírez, Horacio Molina, Coqui y Claudio Sosa y Hamlet Lima Quintana. 15.000 personas deliraron durante poco más de dos horas y media de show.
El 1 de abril de 1992 en el Salón Dorado del Honorable Concejo Deliberante fue declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Fue un año importantísimo para Mercedes, marcado por su viaje a Chile, donde cantó en la Quinta Vergara, de Viña del Mar y en el Estadio Chile, de Santiago. Fueron tres actuaciones cargadísimas de emociones.
A comienzos de 1993 atravesó nuevamente los Andes para intervenir en el Festival Internacional de Viña del Mar, donde, como tantas veces lo hiciera, fue anfitriona de un grupo de importantes cantantes argentinos, entre ellos Julia Zenko, Víctor Heredia y Teresa Parodi. Posteriormente, actuó en varias ciudades chilenas.
También editó "Sino", una placa en la que compartió la producción artística con Fito Páez y participó en la banda sonora del filme "Convivencia", cantando un tema con Pablo Milanés y otro con el ya desaparecido Roberto Goyeneche. En noviembre de ese año se publicó una compilación, titulada "Mercedes Sosa, 30 años", que reunió una veintena de temas grabados en diversas épocas por "La Negra".
En noviembre de 1994 apareció "Gestos de amor", uno de sus últimos trabajos discográficos, tan bien recibido por el público, que rápidamente le valió ser distinguida con el Disco de Platino.
A mediados del mes siguiente, representó a las voces de la Argentina y América, en el Segundo Concierto de Navidad realizado en la Sala Nervi del Vaticano. Fue la más aplaudida en ese espectáculo realizado para el Vicariato de Roma, del que participaron, entre otros, el tenor español Alfredo Kraus y la soprano Renata Scotto.
Unos días antes, en dos inolvidables jornadas, fue la solista de la "Misa Criolla", que se presentó, con un coro de casi 600 almas, en el imponente Anfiteatro Frank Romero Day, de la ciudad de Mendoza y que fue presenciado por cerca de 30.000 espectadores. Cerró el año con dos actuaciones en el Luna Park.
En enero de 1995, luego de participar en el Festival Internacional de Mar del Plata intervino en el "Americanto" realizado en Mendoza. A mediados de año visitó Chile, comenzando una "tournée" que la llevaría a Costa Rica, El Salvador, Honduras, Panamá y Uruguay.
En agosto de ese año, cerca de dos mil personas respondieron a la convocatoria del ciclo "Maestros del Alma" para brindar un cálido homenaje a Mercedes Sosa quien aquella noche recibió el testimonio del siempre creciente afecto del público y el canto de sus compañeros músicos como Julia Zenko, Peteco Carabajal y Víctor Heredia, entre varios otros. Más adelante, realizó una gira por varias ciudades del Brasil, entre ellas, San Pablo, Belo Horizonte, Florianópolis y Porto Alegre.
Un tiempo después hizo dos exitosas actuaciones en San Juan de Puerto Rico, que fueron el prólogo de una extensa gira por los Estados Unidos realizada en noviembre último y que comenzó en el Zellenbach Hall - Cal Perfomance Arts Center de Berkeley, San Francisco. Luego siguió con dos conciertos consecutivos en el Wadsworth Theater - UCLA de Los Angeles, California y presentaciones en el Bass Concert Hall, de Austin, Texas; en el Jackie Gleason Theater for the Perfoming Arts de Miami, Florida; en el Kennedy Center for the Perfoming Arts, de Washington; en el Avery Fisher Hall - Lincoln Center de New York; en el Symphony Hall de Boston, Massachusetts y en el Queen Elizabeth de Vancouver, en la Columbia Británica. Luego actuó en Lima y al cabo de ese concierto realizó otros dos en La Paz, Bolivia.
En diciembre de 1995 se editó "Mercedes Sosa - Oro", una compilación de 17 temas grabados entre 1969 y 1994. El repertorio de este trabajo dibuja nítidamente el perfil de esta gran artista popular.
En un año de mucha actividad artística como 1995, no le faltó tiempo para estar cerca de sus compañeros los músicos. Solidaria, no sólo preconiza la necesidad de unión de los músicos argentinos, sino que pregona con el ejemplo. Intervino con su voz en las grabaciones de los discos de María Graña, Peteco Carabajal, Los Trovadores, Alejandro Dolina, Lito Vitale, Víctor Heredia y Eduardo Lagos. También cantó en vivo en las presentaciones teatrales de Coqui y Pajarín Saavedra, Víctor Heredia, Liliana Herrero y Peteco Carabajal.
"La Negra", reconocida unánimemente como la dueña de una de las voces más importantes del mundo, en 1966 desplegó una intensa actividad profesional. En los primeros meses realizó una gira que la llevó a recorrer escenarios de varias provincias argentinas, en festivales de ciudades como Diamante (Entre Ríos); Villa María y Villa Allende (Córdoba) para luego de una actuación en Concepción (Chile), culminar el mes de enero con aquella inolvidable noche de clausura del XXXVIº Festival Nacional de Folklore de Cosquín. Una noche que aun perdura en la memoria de muchos, que vibraron con el canto de nuestra tucumana.
A Cosquín le siguieron, durante febrero y marzo, presentaciones en Rosario (Santa Fe); Puán, Baradero y Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires); Villa Carlos Paz y Leones (Córdoba); Tunuyán (Mendoza), Chilecito (La Rioja), Punta Arenas y Santiago (Chile). La gira estival concluyó con dos actuaciones en Asunción (Paraguay), con la presencia del compositor e intérprete Charly García como artista invitado.
A comienzos de abril volvió a los estudios para grabar "Escondido en mi país", su nuevo disco, con un repertorio netamente folklórico, de gran repercusión en el público. Unos días después de finalizado su trabajo en Buenos Aires, realizó un exitoso concierto en las Islas Canarias. A mediados de año le siguieron conciertos en el Brasil y más adelante, actuaciones en Ecuador, Uruguay y en algunas ciudades de los Estados Unidos Canadá.
En el segundo semestre de 1996 hizo la presentación en el Teatro Opera de Buenos Aires de los temas de su disco "Escondido en mi país". Cinco conciertos a sala llena con un público entusiasmado por este "baño de folklore", como dijeron algunos críticos. Poco después concretó una serie de actuaciones por Estados Unidos, Canadá y Puerto Rico, donde el 20 de octubre realizó un concierto memorable. Luego de ese fatigoso viaje se puso a trabajar de lleno en el disco que grabó con temas de Charly García.
Iniciado el año 1997 participó en el XXXVIIº Festival Nacional de Folklore de Cosquín, llevando como invitado a Charly García. Fue un verdadero acontecimiento musical que marcó un hito en la historia de este popular evento.
Al cabo de una actuación en Paraguay y en el Festival Nacional de Tonada, de Tunuyán, Mendoza, Mercedes cerró en la Capital argentina el ciclo "Buenos Aires Vivo", organizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad ante una concurrencia estimada en 120.000 espectadores, con la participación de algunos artistas invitados entre los que se encontraba nuevamente Charly García y el Chango Farías Gómez.
En marzo de 1997 participó del cónclave internacional denominado "Río + 5", en el que intervino en su carácter de vicepresidente del Consejo de la Tierra en representación de Latinoamérica, con la finalidad de intervenir en la redacción de la "Carta de la Tierra", un documento equivalente a la Declaración Universal de los Derechos Humanos, para definir un sistema operacional de valores que guíen nuestro comportamiento, nuestras relaciones y esfuerzos para el desarrollo.
Luego MERCEDES SOSA viajó a la ciudad de Bogotá, Colombia, para intervenir, junto con Charly García y Fito Paéz en un multitudinario espectáculo realizado en el estadio El Campín.
El 8 de julio, en vísperas de su cumpleaños, cantó en la ciudad de Salta y una semana más tarde, los días 11, 12 , 13 y 15 de Julio, ofreció cuatro conciertos en el TEATRO OPERA, de Buenos Aires, en los que, además del cancionero netamente folklórico, interpretó algunos temas nuevos y conó con la presencia de varios artistas invitados como Víctor Heredia, Julia Zenko, Claudio Sosa, Horacio Molina, Coqui Sosa, Angela Irene, Pocho Sosa y la participación especial de Charly García.
Luego de estas actuaciones y durante los próximos dieciocho meses "La Negra" no volvería a cantar este repertorio en Buenos Aires.
A fines de julio se conoció finalmente "Alta Fidelidad. Mercedes Sosa canta Charly García". La expectativa del público, ansioso por conocer el resultado de este trabajo en común, aseguró el entusiasmo de los dos protagonistas de este trabajo que fué un hito en la discografía de ambos y en la música popular latinoamericana.
Tras muchos meses de labor el disco quedó terminado. Grabado en Madrid, Nueva York y Buenos Aires, "Alta Fidelidad. Mercedes Sosa canta Charly García" reúne una docena de canciones: "Cuchillo", "Promesas sobre el bidet", "Rezo por vos", "Como mata el viento norte", "Cuando ya me empiece a quedar solo", "Hablando a tu corazón", "Los sobrevivientes", "El tuerto y los ciegos", "De mí", "Cerca de la revolución", "Siempre puedes olvidar" y "Plateado sobre plateado (huellas en el mar)", creadas por el talentoso músico del bigote bicolor, salvo "Rezo por vos", compuesta junto con Luis Alberto Spinetta y "Siempre puedes olvidar", con Fabiana Cantilo.
En este trabajo de excepción han trabajado músicos notables como: Pedro Aznar, Bernardo Baraj, Juan Bellia, Andrés Calamaro, Alejandro De Raco, Erica Di Salvo, Ulises Di Salvo, Ciro Fogliatta, María Gabriela Epumer, Rubén Georgis, Pablo Guadalupe, Belén Guerra, Juanse, Rubén Lobo, Nito Mestre, Migue, Rinaldo Rafanelli, Rodolfo Ruiz, Gabriel Said, Mario Serra y el gran actor argentino Alfredo Alcón que puso su voz en "Los sobrevivientes".
A lo largo de su brillante trayectoria artística, además de las distinciones mencionadas, Mercedes Sosa fue declarada Ciudadana ilustre de Tucumán, recibió la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania; la Medalla al Mérito Cultural del Ecuador; la Placa de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Perú, en reconocimiento a sus 30 años de difusión del canto latinoamericano; el Premio ACE 1993, por su L.P. "Sino" y el Martín Fierro 1994 al mejor show musical en televisión.
Durante 1995 Mercedes Sosa recibió varios premios y distinciones. Entre ellos, el Gran Premio CAMU-UNESCO 1995, otorgado por el Consejo Argentino de la Música y por la Secretaría Regional para América Latina y el Caribe, del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO; el Premio de la UNIFEM, organismo de las Naciones Unidas que la distinguió, poco antes de su actuación en el Lincoln Center de New York, por su labor en defensa de los derechos de la mujer; Konex de Platino 1995 a la Mejor Cantante Femenina de Folklore y Konex de Brillante a la Mejor Artista Popular de la Década. También ese año recibió el halago de ser incluida por la Secretary-General United Nations Politic World Conference on Women, en la colección discográfica denominada "Global Divas".
Este trabajo, que incluye "Gracias a la vida" cantado por Mercedes Sosa, de distribución internacional, reunió a algunas de las voces más importantes del mundo de todos los tiempos, entre las que están Edith Piaff, Marlene Dietrich, Amalia Rodrigues, Lucha Reyes, Miriam Makeba, Celina González, Marian Anderson, Aretha Franklin, Elis Regina, Maria Bethânia y Gal Costa.
En julio de 1996 en Porto Alegre, Brasil, el Gobierno del Estado de Rio Grande do Sul le otorgó la Medalla Simöes Lopes Neto en honor a sus méritos artísticos y personales puestos al servicio de la unidad de los pueblos.
El 4 de octubre de 1996, en la ciudad alemana de Aix-la-Chapelle, recibió el Premio CIM-UNESCO 1996 del Conseil International de la Musique - UNESCO, con sede en la ciudad de París, Francia, destinado a músicos de todo el mundo, que se han destacado personal y profesionalmente.
Este Premio, creado en 1975, está destinado a recompensar a los músicos e instituciones musicales que con sus obras o actividad han contribuido al enriquecimiento y desarrollo de la música y servido a la paz, a la comprensión entre los pueblos, la cooperación internacional y a los otros fines proclamados por la Carta de las Naciones Unidas y el Acta Constitutiva de la UNESCO.
En el caso de la cantante Mercedes Sosa, expresó en su comunicación el Consejo Internacional de la Música, "El Jurado ha decidido el otorgamiento de este Premio no sólo por su brillante carrera sino también en reconocimiento de sus grandes valores éticos y morales de los cuales ha dado prueba durante los sombríos años que conoció la Argentina, por la preocupación que ha tenido de promover constantemente la defensa de los derechos humanos".
Unos días antes, en la Sede del Consulado General de la República Argentina en Nueva York, Mercedes Sosa recibió otra distinción, esta vez del Consejo Interamericano de Música de la Organización de los Estados Americanos (OEA). Ante representantes de todos los países latinoamericanos, recibió un Diploma de Honor en reconocimiento a su trayectoria.
El 9 de diciembre de 1996 en el Congreso Nacional, el pueblo de todo el país, a través de sus legisladores, le rindió un homenaje, en su calidad de "personalidad de la cultura nacional, por su valiosa trayectoria artística en defensa de la música popular". Aquella tarde un grupo de músicos populares argentinos se sumó con el aporte de su arte al gesto de los diputados. Actuaron y ofrecieron lo mejor de cada uno de ellos: Peteco Carabajal, Verónica Condomí, Coqui, Claudio y Pocho Sosa, Liliana Vitale, Rodolfo Mederos, Federico de la Vega, Chango Farías Gómez, Víctor Heredia, León Gieco y Charly García que interpretó su creativa versión del Himno Nacional Argentino con lo que hizo vivir un momento de profunda emoción, no sólo a Mercedes y a los presentes, sino también a quienes siguieron el acto a través de la radio y la televisión.
A principios del mes de marzo de 1997, recibió por su disco "Escondido en mi país", el Premio ACE (Asociación de Cronistas del Espectáculo) al Mejor Disco de Folklore.

Reseña extraida de: http://www.mercedessosa.com.ar/marcosmaster.htm

V.A. - Zen Connection

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Disc One From The East

Disc One From The East portadasrar

Disc Two To The West Parte 1

Disc Two To The West Parte 2

01. No Noise de Karma Shadba 5:04

02. Ipirotiko (Balearic Ibiza Mix) de Mariners 4:25

03. Breathing Light de NITIN SAWHNEY 4:45

04. King Dragonfly de Sasumu Yokota 4:32

05. Mountain Path de Badmarsh & Shri 4:25

06. Dark Eyes de Omar Faruk Tekbilek 4:33

07. Last Words by the Temple de Phil Thornton & Hossam Ramzy 7:37

08. Panorama de Amanaska 8:16

09. Bombay de Mega Om 4:18

10. Dimdanana de Jasmon 4:13

11. Arabic Odyssey de Fahtima 2:43

12. Spice Souk de James Asher 4:41

13. Gift de The Itch 4:59

14. A Different Space de Bob Holroyd 5:49

15. And I'll See You de Baby Mammoth 8:09

16. Queremos Paz de Gotan Project 5:13

17. Journey Inwards de LTJ Bukem 6:58

18. Afterlife de Stef 9:16

19. Ease Back (Americana Remix) de Amanaska 7:59

20. El so Y las Estrellas de Manana Mundo 4:13

21. Electra (Short Chill Mix) de Airstream 4:16

22. Elgarhythms de Ornament 6:38

23. Private Universe de Jon Hopkins 5:19

24. Ocean Dreams de Order in Chaos 4:42

25. Bossalounge de Ensemble Ethnique 3:51

26. Deer Horn de Riley Lee & Small Defence 6:01

27. Too Far de Nacho Sotomayor 5:22

Bajo Fondo Tango Club - Bajo Fondo Tango Club

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Gotan Project se convirtio en la referencia de la fusión de tango y electrónica con su álbum debut, La revancha del tango, editado justo un año antes del disco que nos ocupa. Dicho proyecto fue creado por un francés Philippe Cohen Solal, producido en Francia y editado por un sello Francés (¡Ya Basta!). Por tanto, por mucho que reinterprera una música argentina, el tango, es un grupo europeo, y aunque uno de sus miembros sea argentino (el guitarrista Eduardo Makaroff), ha sido concebido fuera de la patria del tango. La respuesta argentina a tal fenómeno fue el ambicioso proyecto Bajofondo Tangoclub, que debutó con este álbum homónimo. No ha tenido tanta repercusión internacional (pero eso es una cuestión comercial, que tiene que ver con el funcionamiento de la industria, con la promoción y, sobre todo, la distribución), pero desde el punto de vista artístico, y por proponer una brillante fusión de tango y electrónica, Bajofondo Tangoclub debe situarse justo al lado de La revancha del tango. Este es, por tanto, un álbum imprescindible que funciona a dos niveles: gustará a los interesados por la renovación del tango en clave electrónica, pero también, de manera más general, a todos los amantes de la música numérica. Por último, este es, y no es lo mismo que lo anterior, aunque lo parezca, un admirable ejemplo de cómo la acústica y la electrónica pueden convivir para crear un tercer lenguaje, el electro-acústico. Reunidos por el gurú argentino Gustavo Santaolalla, afamado por sus colaboraciones cinematográficas, en Bajofondo tangoclub se dieron cita artistas provenientes de escenas musicales muy diversas, del pop, del rock, de la elecrónica y, por supuesto, del tango, con la participació, incluso, de la gran vocalista Adriana Varela. A medio camino entre la compilación y el álbum colectivo, esta edición puede tomarse como un catálogo de las posibilidades creativas de la reinterpretación del tango. Si Gotan Project creó la perfecta unión de tango y electrónica downtempo, Bajofondo Tangoclub propone la versión uptempo, introduciendo de lleno el tango, el sonido del bandoneón, en los clubs. Ha dejado de ser esa música de baile imposible, sólo apta para profesionales del baile, a poder ser bailada como el house o el drum and bass, los ritmos que aquí predominan. Bajofondo Tangoclub, pese a la homegeneidad de los músicos participantes, es un álbum cohesionado, lo que no impide que los resultados sean dispares. No obstante, a pesar de que ciertos temas son simples pasatiempos para los clubs, este trabajo nos deja algunas producciones tan sólidas, deslumbrantes y memorables como Perfume (Campo remix), Montserrat, Los tangueros, Naranjo en flor, todos rompepistas, o los más dramáticos Exodo II y Ese cielo azul. El genial Piazolla renovó el tango de los 50 a los 80. Con Bajofondo Tangoclub comienza una segunda renovación del tanto en Argentina que esperemos que conozca una continuación tan estimulante como el presente álbum.

Reseña extraida de: http://lnx.indajaus.com/acidjazzhispano/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=1828

Beatles & Cirque Du Soleil - Love

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Parte 1 Parte 2

Link para el track 19 que parece tener conflictos en el rip de los enlaces anteriores:

Track 19

Luego de haber consultado a los integrantes que quedan de los Beatles, Paul y Ringo junto a Yoko Ono Lennon y Olivia Harrison, sobre hacer mixes experimentales, con las cintas originales de la banda, en colaboración con el Cirque du Soleil, Sir Georges Martin, el legendario productor de Beatles, y su hijo Giles Martin, estuvieron trabajando con el archivo entero de las grabaciones para crear LOVE. El resultado es un acercamiento sin precedentes hacia la música.
Usando las cintas masters en los estudios Abbey Road, Sir George y giles crearon un paisaje sonoro único. La realización de este álbum, que también se exhibe como una producción de colaboración entre Beatles y el Cirque Du Soleil LOVE, en The Mirage Las Vegas , fue muy anticipado.
“Este álbum puso a los Beatles juntos nuevamente, por que de repente ahí estamos John y George, con Ringo y con migo” Dijo Paul McCartney “Es una especie de magia”.
“George y Giles hicieron un gran trabajo combinando estos tracks. Es realmente poderoso para mi, y hasta escuche cosas que olvidé que habíamos grabado.” Comento Ringo Starr.

Cirque Du Soleil - Solarium Delirium Soundtrack

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Parte 1 Parte 2

La música de este show es diferente a la escuchada en la primera parte de Tapis Rouge... pero con el mismo sentimiento!
Delirium captura la energía caliente y chispeante de una fiesta y presenta innovadores remixes de varios Dj's y productores como Louie Vega (Feat. Jaffa), Julien Jabre. Roger Sánchez, Sasha, François K y Eric Kupper.

Cirque Du Soleil - Collection 1993 Soundtrack

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Una selección de las experiencias que han encantado
y cautivado audiencias alrededor del mundo.
Diez tracks favoritos de cinco Shows: Alegría, Mystère, Saltimbanco, Nouvelle Expérience, y Cirque du Soleil.
Combina ritmos contemporáneos e influencias clásicas.

Maria Bonzanigo y Philippe Leduc - Cirque Du Soleil Corteo Soundtrack

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La música de Corteo contiene un nivel inusual de intimidad a través de una combinación de inspiradas actuaciones vocales y cálidos instrumentos acústicos. Las melodías, con su sensibilidad europea, son exclusivamente complementadas por poéticas letras cantadas en italiano, francés y español y una lengua propia, interpretadas por maestros músicos, cada pieza revela una rica mezcla de autenticidad y genuino espíritu artístico. La producción de este álbum se hizo posible gracias a la contribución de sesenta y un músicos y cantantes, incluyendo dieciséis piezas de coro y trece piezas en la sección de cuerdas.

Francis Collard - Cirque Du Soleil Delirium Soundtrack

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Inspirada en algunos de los más memorables momentos musicales del Cirque du Soleil, producido y arreglado por Francis Collard, revisa los trabajos de los compositores René Dupéré, Benoit Jutras y Violaine Corradi, infundiendo nueva vida dentro de estos adorables clásicos. Las letras de Robbie Dillon fueron agregadas a los tracks instrumentales, brindándole una nueva dimensión, fresca y poética a la música. El resultado es una mezcla única de percusión conducida al pop, melodiosas baladas y worldbeats inspirados en el ritmo.Prepárese para ser transportados dentro del mágico y místico universo de DELIRIUM.

René Dupéré - Cirque Du Soleil KÀ Soundtrack

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La música épica y lírica de KÀ se revela a sí misma a través del
ritmo impuesto en "Storm", la voz celestial en "Flight", las majestuosas cuerdas en "Love Dance" y el sereno candor de "O Makunde". Con una orquesta sinfónica de cincuenta y siete músicos y un coro de casi 40 cantantes, el soundtrack de KÀ es la grabación mas ambiciosa producida por el Cirque Du Soleil hasta ahora.

Simon Carpentier - Cirque Du Soleil Zumanity Soundtrack

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Rayando en un ecléctico mix de rock, música clasica, urbana, tango e influencias de todo el mundo, atormenta y encanta con ritmos sensuales, melodías seductoras y letras provocativas, que conducen al oyenteen en un viaje que va desde la ternura Naïve hasta el dulce tormento del deseo desenfrenado.

Cirque Du Soleil - Tapis Rouge Soundtrack

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El proyecto TAPIS ROUGE es un soundtrack de remixesque combina la música del cirque, con el talento de algunos de los mejores productoresde música electrónica actuales.Ofrece la música ya conosida de los shows del Cirque, con un nuevo savor. Solarium es el primer disco de remixes.

Violaine Corradi - Cirque Du Soleil Varekai Soundtrack

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Las partituras de esta obra estan a cargo de Violaine Corradi, mientras que las partes voclaes fueron compuestas por Nitin Sawhney y los remixes y producciones adicionales por Kay Brets y Hobie Rosenberg.

Los solos de Piano son de Trond Tellefsen.

Las letras son de Violaine Corradi, Nina Rocha Miranda y Tina Grace.
Y las Guitarras adicionales de Stefane Goldman.

Benoit Jutras - Cirque Du Soleil Journey Of Man Soundtrack

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Este es el soundtrack del film del cirque, echo especialmente para cines 3D/2D IMAX.La música esta compuesta por Benoit Jutras. E incluye tracks adicionales solo disponibles en este soundtrack, y no el el filme.

Violaine Corradi - Cirque Du Soleil Dralion Soundtrack

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Dralion presenta una fusión de sonidos que van desde el este hasta el oeste, Acústicos y eclécticos, motivos rítmicos y liricos. Sus influencias van desde las melodías indias hasta los sonidos de Andalucía, Africa, Europa central y del este. Incluye tambores, violín, vientos, teclados, guitarras e instrumentos de percución.

La vocalista es Agnès Sohier y el solista es Erik Karol, un tenor, con una exquisita vozcon un rango vocal, que le permiten moverse libremente de un estilo al otro.

Compuesto por Violaine Corradi, quien sus trabajos incluyen antiligías con varios artistas comoPhillipe Glass, Jon Anderson y Kitaro.

Benoit Jutras - Cirque Du Soleil La Nouba Soundtrack

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La Nouba es el show musical Permanente del Downtown Disney Westside en Walt Disney World Resort Orlando, inaugurado en Diciembre de 1998.
Ofrece sonidos urbanos; Hip Hop, mezcla de electrónica con los sonidos clásicos del Cirque du Soleil.
Al comienzo el score cuenta con una trompeta, dándole una sensación tradicional que crea una conexión con el resto del soundtrack lleno de sintetizadores.
Una docena de tracks ofrecen una fusión musical conducida por un sublime y único coro de voces.

Benoit Jutras - Cirque Du Soleil "O" Soundtrack

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Esta banda sonora contiene trece tracks, compuestos por Benoit Jutras. Es cautivante y lírica, optimista y melancólica, a la vez, extremadamente diversa con una fuerte influencia de música étnica. Combina voces masculinas y femeninas. Demuestra el talento de diez músicos y cantantes de todo el mundo, utilizando una combinación única de instrumentos que incluyen: violín chino, gaitas, harpa y guitarras africanas, guitarra colombiana, cello, antiguas flautas de madera y una amplia variedad de instrumentos de percusión.

Benoit Jutras - Cirque Du Soleil Quidam Soundtrack

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Las influencias de Quidam se extienden desde la música clésica hasta los mas eclécticos y contemporáneos sonidos. Las voces de hombres y niños agregan una textura y color únicos a la música. El solista masculino es Mathieu Lavoie, mientras que Audrey Brisson-Jutras de once años, hija del compositor Benoit Jutras, es la encargada de las vos infantil y el cello.

Seis músicos tocan las composiciones de Jutras. Violines, Cellos, Percución, saxofón, sintetizadores, guitarras eléctricas, guitarras clásicas y una gran variedad de extraños instrumentos transportan la pasión y la intensidad del show.

René Dupéré - Cirque Du Soleil Mystere (Expanded Edition) Soundtrack

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Mystère fue grabado en vivo en Mayo de 1996 en el teatro State-of-art, construido especialmente para el show en Las Vegas.

Es una cautivdora colaboración de dos compositores fenomenales: René Dupéré y Benoit Jutras. Juntos ofrecen un místico viaje a través de la vida.

El album ofrece una pieza intensa y rítmica de tambores largos japoneces, conosidos como Taikos, mientras que las letras de todas las canciones son en una lengua imaginaria.

Benoit Jutras & René Dupéré - Cirque Du Soleil Cirque Du Soleil Soundtrack

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Música del Tour 1987-1989 de We Reinvent the Circus, presentado en Canadá, Estados Unidos, Inglaterra, Suiza y Japón. Es el primer album realizado por el Cirque. Benoit Jutras y René Dupéré fueron los artistas responsables de esta música con insinuaciones del jazz.

René Dupéré - Cirque Du Soleil Alegría Soundtrack

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Alegría es una producción de tour del Cirque du Soleil, creada por Guless Ste-Croix y originalmente dirigida por Franco Dragone.
Alegría es uno de los espectáculos más renombrados del circo. El tema principal de Alegría es el mal uso que se le da al poder, ya sea por los reyes, tiranos o mismos dictadores, pero también trata sobre la la esperanza y la perserverancia. A través de una película de tragedias de nuestro pasado y de las grandes posibilidades de nuestro futuro, el show intenta inspirarnos a ser mejores personas y trabajar juntos por nuestros semejantes.

La composición Musical de René Dupéré es vital y emocionante, se mueve entre el jazz, el Pop, en Tango y el klezmer. Evoca los sonidos de los Trovadores viajeros, usando instrumentos acústicos, que incluyen el acordeón.

En la actualidad es el Soundtrack mas vendido en la historia del Cirque.